REPUBLICA FRISS HÍREK

"Stan Lee"

Az író és szerkesztő, Stan Lee nem kizárólagosan felelős azért, hogy a Marvel Comicsot kulturális jelenséggé változtassa, de a promóció iránti érzéke – amely egy markáns prózai stílusban fejeződött ki, amely bizalmasként kezelte az olvasókat – tagadhatatlanul hozzájárult az olyan művészek zseniális munkáinak eladásához, mint Jack Kirby. Steve Ditko és John Romita. Természetesen Lee abban is jeleskedett, hogy eladta magát, idéző mítoszokat forgatva olyan tartós szuperhősök megalkotásában játszott szerepéről, mint a Fantasztikus Négyes, a Hulk, az X-Men, a Bosszúállók és a Pókember. Szinte minden anekdotájában volt némi igazság, de ez keveredett szórakoztató dühöngéssel és túlzásokkal.

David Gelb „Stan Lee” című filmje nagyon is a „legenda nyomtatása” jellegű dokumentumfilm. A képen a domináns hang Lee hangja, akit a különböző korszakokból készült kiterjedt audio- és videointerjúkban hallhattunk – többek között élete vége felé. Gelb a régi Marvel képregényekből származó színes panelekkel illusztrálja Lee emlékeit; és a Marvel irodáiban rendezi meg a mindennapi élet elegáns megjelenését, műanyag figurákat használva Lee, Ditko, Kirby és társasága kiállásaként. Aki csak Stan Lee-t ismeri a Marvel Cinematic Universe filmes sorozataiból és általános popkulturális jelenlétéből, annak ez a film szilárd bevezetőt kínál szuperhősök egész generációjának eredetébe.

De amit a nézők itt nem igazán tanulnak meg, az az, hogy az eredettörténetek közül sokat vitatott. Ha a „Stan Lee” nem a Marvelhez kapcsolódó Disney+ streaming szolgáltatás terméke lenne, a film többet tehetne annál, mint hogy röviden érintse Lee néhány művészi munkatársát, amellyel hitelt gyűjtött. Ehelyett a legnagyobb konfliktus ebben a filmben Lee saját megbántott érzéseiből fakad, amikor bevallja, hogy a Marvel marginalizálva érzi magát a nyugdíjba vonulása után – egészen addig, amíg vissza nem hozta az MCU-korszakba abban, hogy ennek a dokumentumfilmnek a happy endje legyen.

Lee életének és munkásságának felületesebb megközelítése lehetett az az ár, amelyet Gelb és csapata fizetett a Marvel archívumához való hozzáférésért; ha igen, akkor nehéz vitatkozni azzal, hogy az eredmények milyen szépek. Az elmesélt történetből hiányzik a mélység és a belátás; de van rajta csattanó és polírozás, és sok elképesztő műalkotás található benne. Bizonyos értelemben ez egy igazi Stan Lee-élmény.

„Stan Lee.” TV-PG, mérsékelt erőszakért. 1 óra 26 perc. Elérhető a Disney+-on

Maya Kowalski, balra, Jack Kowalski, Beata Kowalski és Kyle Kowalski a „Vigyázz Mayára” című dokumentumfilmben.

(Netflix)

„Vigyázz Mayára”
Mindazonáltal, amit a kórházak és a szociális szolgálatok tesznek, előfordul, hogy a jó szándékú polgárok a bürokrácia fogaskerekei közé esnek. Henry Roosevelt „Vigyázz Mayára” című dokumentumfilmje leginkább arról a jogi és egészségügyi rémálomról szól, amelyet a Kowalski család élt át, egy floridai család, amelynek lányát, Mayát saját orvosa ritka legyengítő betegséggel diagnosztizálta, majd elválasztották szüleitől. egy helyi kórház megkérdőjelezte ezt a diagnózist, és a szülőket gyermekbántalmazással gyanúsította. Roosevelt azt is feltárja, hogy az egészségügyi intézmények túlzott óvatossága milyen gyakran vezet családok szétszakadásához.

A „Vigyázz Mayára” gyakran nehéz nézni, mert Kowalskiék sok legnehezebb élményüket dokumentálták – beleértve Maya rendkívüli fájdalmát és magányát, valamint az udvar látszólagos közömbösségét a szenvedése iránt. A film időnként vontatott, tükrözi Kowalskiék tapasztalatainak lassú csiszolását; és hiányzik minden lényeges cáfolat azok részéről, akik pokollá tették a család életét. De ez még mindig magával ragadó és kihívásokkal teli film, amely megragadja azt a frusztrációt, hogy egy olyan rendszer bizonytalanságban tart, amely úgy tűnik, a büntetést helyezi előtérbe a fellebbezéssel szemben.

„Vigyázz Mayára.” TV-14, gyermekbántalmazási utalásokért, nyelvezetért, öngyilkosságért. 1 óra 43 perc. Elérhető a Netflixen

'Fenséges'
Bármelyik két régóta fennálló barátja számára nehéz áttérni a „csak haver”-ból a romantikussá válni. Még nehezebb, ha a barátok tinédzser fiúk – és amikor egyikük sem biztos, hogy meleg. Mariano Biasin író-rendező „Sublime” című művében Manuel (Martín Miller) és Felipe (Teo Inama Chiabrando) 16 éves argentinok, akik egy rendkívül tehetséges pop-punk együttesben játszanak együtt. Manuel és Felipe inspirálják egymást a próbateremben, és összekapcsolódnak a színpadon. Ám amikor Manuel rájön, hogy jobban vonzódik Felipéhez, mint a saját barátnőjéhez, érzelmileg elkezd távolodni szeretteitől, ami feszültséget okoz a bandában.

Biasin ezt a helyzetet nem valamilyen bonyolult, kiagyalt cselekmény segítségével oldja meg. A „Sublime” főként ezeknek a fiúknak a mindennapi életének részleteire összpontosít, dokumentálva a felpörgő hormonokat és a zavarodottság általános ködét, amelyek kihívást jelenthetnek a serdülők lelkesedésében. Ez egy enyhe, de éleslátó film, amely nagyon valóságosnak tűnik. Ez is dallam, csatlakozik az olyanokhoz, mint a „Mi vagyunk a legjobbak!” a „Sing Street” pedig a tinédzser rockerekről szóló legkapósabb filmek listáján.

Marco Ferreri „Hétköznapi őrület meséi” (1981) című filmjében a részeg kanyarodás és az önfejű nőcsábítás egyik kiszámíthatóbb sorozata során azon kaptam magam, hogy vajon mit kezdenének a Coen testvérek ezzel az anyaggal. Charles Bukowski novellagyűjteményét adaptálva Ferreri a Bukowski-helyettes Charles Serkinget (Ben Gazzara) ünnepli, dicsőítve ragadozó szexuális kizsákmányolásait és infantilis kitöréseit. Túlságosan is ismerős ez az egész, egy őrült zseni búbánat viselkedik, és azt várja a világtól, hogy őt szolgálja, és értékelje művészi ragyogását. Ellentétben a Coen testvérekkel, akiknek legjobb filmjei felforgatják a jól megviselt trópusokat ("Blood Simple's ferde zsaru") és műfajokat (a pénzrabló/rabló kapribogyó/road film: "Fargo"), Ferrerivel (1928-1997) – akiknek filmjeit játsszák. egy kiterjedt Lincoln Center retrospektíven – alacsonyra céloz, és csak akkor találja el a célját a legközvetlenebbül, amikor Serking hazai pályája kerül a középpontba. A mocskos, térbeli Los Angeles-i légkör egyszerre szolgál lehetővé és ellenségként a merengő, iránytalan Serkingnek.

Más okok miatt is nehéz volt kizökkenteni a fejemből a Coen testvéreket: természetesen Gazzara játszotta Jackie Treehornt a „The Big Lebowski”-ban (1998), a szeretett gonzo-detektív történetben, amely a „Hétköznapi őrülethez” hasonlóan szaggatott hanghordozást is tartalmazott. akinek elszakadt téveszméje Philip Marlowe-t utánozta. A probléma az, hogy Serking nem arra törekszik, hogy megfejtsen egy rejtélyt, és nem rendelkezik Raymond Chandler rablásának fátyolos alázatával vagy gunyoros viselkedésével. Serking céljai egyértelműek, és azokat egy elszánt szociopata együgyűségével követi. És amikor ellenségei ellenállásába ütközik – például volt felesége/bérbeadója vagy egy New York-i kiadó –, erőszakkal (nők torkon ragadva) és ingerlékenységgel (üres sörösdobozokkal irodatársakra dobása) bosszút áll, és úgy dönt, hogy megmenti magát. vizsgálat még egy napig.

Rajzolva Bukowskit és a Bringing Out L.A-t.
Serking egy előadóteremben nyitja meg a filmet, amely a stílusról beszél, és arról, hogy stílussal valami veszélyeset csinálni valódi művészet, de stílus nélkül veszélyes dolgot csinálni unalmas. A vicc rajtunk van, mert ez a dinamika pontosan a Serking és zsákmánya közötti zavaró találkozások mintájában játszódik le. Követi Verát (Susan Tyrell) Venice Beach-ről Los Angeles-i otthonába, és bekényszeríti magát a lakásába, és rákényszeríti magát. Emiatt letartóztatják, de gyorsan visszapattan, találkozik a rejtélyes prostituált Cassszal (Ornella Muti, a Ferreri törzsvendége), a vágy áldozati tárgyával, aki egyszerre képviseli Serking ideális nőjét (szépség, fiatalság) és a legrosszabb rémálmát (függetlenség, nyílt szexualitás). .

Ferreri karakterportréiból talán hiányzik az eredetiség, de Los Angeles ködös ragyogásával és túlérett szomszédaival kompenzálja a hiányt. Bukowski lecsúszott, szeretett Los Angeles mindig is távol volt attól a stilizált várostól, amelyet oly sok filmben megszokhattunk, és ebben a filmben a város életet lehel olyan karakterekbe, akiknek erkölcsei és érzelmei nem rendelkeznek elegendő oxigénnel egy nagyjátékfilm fenntartásához. . L.A. homályos, antiromantikus oldalának – tönkrement lakóházaknak, koszos italboltoknak – reflektorfénybe állításával Ferreri kifejti vonzerejét egy olyan kitaszított számára, mint Serking. Lakása úgy néz ki, mint az a hely, ahol egy író él és fiatalon hal meg, ha szerencséje van, és az invazív kültéri jelzések megfelelő fényt vetnek zord, belső világára.

Ben Gazzara és Ornella Muti a „Tales of Ordinary Madness” című filmben, amely a közelmúltban a „Retrospective”-ben játszott a Lincoln Centerben. (Fotó: 23 Giugno).

Még a tengerpartok is kavicsos, száraz sivatagokká válnak, már nem azok a reményteli utópiák, amelyeket egy optimistább író, mint Serking elképzelhet. A film vége felé Ferreri és Tonino Delli Colli operatőr távolról követi a botladozó részeg Serkinget, aki megpróbálja üldözni és alkudozni egy szökötttel (Wendy Welles). Végül utoléri, és amikor a lány megkérdezi a nevét, Serking pedig felajánlja, hogy elmondja neki, csak ha leveszi az ingét. Az egész megpróbáltatás nevetséges lenne, ha nem jutna eszünkbe Dirk Bogarde kétségbeesett utolsó lélegzete a „Halál Velencében” (1971). Aschenbachtal ellentétben Serking túléli! Minden esély felett győzedelmeskedik, így fejezze be ennek a tinédzserkori megszállottságnak a törekvését, olyan győzelmet aratva, amely a csupasz mellek tapintásával tetőzik.

Generációjának legpunkosabb olasz filmrendezője
A Lincoln Center fesztivál (Marco Ferreri: Beyond the Absurd) a legátfogóbb program, amit a rendező filmjei kaptak ebben az országban. „Nemzedékének legpunkosabb olasz filmrendezőjeként” írták le, fő provokációi fekete humorral keveredtek, amely a politikai kommentárokat kísérletező hangulattal keverte. A bemutatott filmek közül sok – köztük a „Hétköznapi őrület”, de olyan sztárjárművek is, mint a „La Grande Bouffe” (1973, Marcello Mastroianni és Michel Piccoli főszereplésével) és a „Bye Bye Monkey” (1981, Mastroianni és Gérard Depardieu közreműködésével) streamingen lehetetlen megtalálni.

A „Last Flag Flying” egy háborús film egyetlen fegyver elsütése nélkül. A 2017-es filmet háborús vígjátéknak titulálják, ami önmagában is nehéz bravúr. Richard Linklater és Darryl Ponicsan közösen írták (utóbbi 2005-ös azonos című regénye alapján). Linklater is rendezné.

A 2003-ban játszódó film három vietnami veteránt követ. Volt tengerészgyalogosok, akik évtizedek után újra találkoztak, miközben útnak indulnak Virginiából New Hampshire-be. Noha egyenes vígjátéknak tűnik, a légkör tele van sajnálattal, árulásokkal és szomorúsággal. Az utazás célpontja egyik fiuk temetése, akit éppen most öltek meg Irakban.

Richard Linklater
Richard Linklater iránti szerelmemről a korábbi kritikákban beszéltünk. Páratlan az a képessége, hogy egyszerű beszélgetésekkel lenyűgöző drámát varázsoljon. Két férfi beszélget egy bárban. Három férfi veszekedett egy autóban. Négy férfi nevet a vonaton. Bár egyszerű, a film jeleneteinek nyájassága soha nem unalmas. És itt Linklaternek három csodálatos színész segít.

A főszerepekben Steve Carell, Bryan Cranston és Laurence Fishburne

A három tengerészgyalogost Steve Carell, Bryan Cranston és Laurence Fishburne játssza könnyedén. A nagyszerű az, hogy a férfiak – bár a maguk módján teljesen mások – osztoznak a háború elszakíthatatlan kötelékében, és a tengerészgyalogságra való büszkeségben.

A Cranston-i Sal Nealon forrófejű és részeg, aki napjait alkohollal tölti, éjszakáit pedig egy padon alszik a tulajdonában lévő búvárbárban. Richard Mueller (Fishburne) egy tiszteletes, aki szándékosan vált el korábbi tengerészgyalogos életétől. Larry (Steve Carell) – a film nagy részében visszafogott és komor, ahogy megkérdőjelezi a tengerészgyalogság esküjét kisfia halála után.

Steve Carell kiváló színész
Steve Carell a vígjátékairól ismert. Nehéz úgy gondolni rá, mint Michael Scottra. De amint azt az olyan filmek is bemutatják, mint a „The Way Way Back” kiváló drámai színész. A három sztár közül Cranston Larry-jében van a legkevesebb párbeszéd. De érzelmei továbbra is teljes mértékben kiéleződnek. Szomorúság, felháborodás. Egy érzés, hogy minden, amiben korábban hitt, hazugság. A felesége meghalt. Egyetlen fia már elment. Olyan ember, akinek látszólag nincs célja. – Nem fogok tengerészgyalogost eltemetni. Ünnepélyesen kijelenti. – Csak a fiamat fogom eltemetni.

Bryan Cranston és Laurence Fishburne tökéletesen játsszák a szerepüket. Cranston, mint a komikus megkönnyebbülés, jól eljátssza az egyenes ember Fishburne-t. J. Quinton Johnson, akit nemrég láttam az „Everybody Wants Some!!” című filmben. egy fiatal tengerészgyalogost alakít, aki a csoporttal utazik. Johnson egy beharangozatlan sztár, aki kiváló a részben. Cranston újra találkozik az egykori „Seinfeld” öregjével, Yul Vazquezzel, aki egy parancsnokot alakít.

emléknap
A „Last Flag Flying” elgondolkodtatja a nézőt, ugyanúgy, mint a szereplőinél. A férfiak osztoznak a tengerészgyalogság megszakíthatatlan kötelékében, de mindegyiknek megvannak a saját belső gondolatai és kérdéseik a rendszerrel kapcsolatban, amelyek nem maradnak mindig rejtve. A film feltárja a veteránok fakó bánásmódját is – akik fizikailag és mentálisan is küzdenek a harcból visszatérve.

126 perce lehetett volna egy fokkal rövidebb is, de erre nem panaszkodom. A lenyűgöző párbeszéd és történet az elejétől a végéig elkötelezi magát.

Miközben az emléknapot ünnepeljük, a „Last Flag Flying” egy nagyszerű film, amelyet érdemes megnézni. Tiszteletet fejez ki azok előtt, akik a hazájukat szolgálták, és azok előtt, akik a szolgálatban haltak meg. És mindezt teljesen valósághű módon teszi, hogy még marad idő a szórakozásra.

Ezek a nagy pillanatok nem elég lenyűgözőek ahhoz, hogy a „szimulánst” több legyen, mint a nyilvánvalóan kedvező árú sci-fi pastiche. De van némi figyelemre méltó megfontolás a film szimulánsaival vagy a replikáns-szerű szintetikus emberekkel kapcsolatban, ami enyhén felerősíti ezt az egyébként nem meggyőző robo-noir átverést.

Az első jelenettől szégyentelen és álmos, a „Simulant” Isaac Asimov által összeírt robotparancsolatokkal kezdődik, amelyeket minden szimulátornak, az embereket bemutató robotok már társadalmilag integrált csoportjának be kell tartania. Ez a négy előírás elég egyszerű, és minden szimuláns kódolásába bele van kötve, olyan alapvető dolgok, mint például, hogy nem ölhetsz embert, és be kell tartanod az emberi törvényeket.

Alacsony tétű üldözés következik: Esme (Alicia Sanz) lassan megússza Kessler kormányügynököt (Sam Worthington), egy robotvadász fasz, aki a kvázi mindenható mesterséges intelligencia megfelelőségét végrehajtó ügynökségnek dolgozik. Kessler a kimerült sci-fi rajongókkal ellentétben csodálkozik azon, hogy Esme nemcsak (pillanatnyira) el tudott menekülni előle, hanem engedetlen is volt, sőt fizikailag megsebesítheti. Mi történik ezekkel a szimulánsokkal? Egy nyájas fickó nyomoz.

Eközben egy másik mese bontakozik ki a túlságosan is ismerős jövőről: a kötelességtudó, de zavart feleség, Evan (Robbie Amell) gazdag és nagyon elfoglalt feleségét, Faye-t (Jordana Brewster) kergeti. Emlékszik, hogy túlélt egy autóbalesetet, de nem tud többet felidézni; nem akar beszélni róla, de hamarosan muszáj. Valamivel több mint 20 perccel a film után mi is megtudjuk Faye és Evan sötét titkát: ő az igazi Evan szimulátora, aki járművön halt meg. Ez a konzerv kinyilatkoztatás legalább megmagyarázza az Evan és Faye közötti furcsa feszültséget (nem olyan, mint régen, bébi!). Evan felfedezése akaratlanul is elvezeti az árnyas Casey Rosenhez (Simu Liu), egy szimulációs szakértőhöz, aki nyilvánvalóan nem olyan ártalmatlan, mint amilyennek látszik.

(EGY enyhe, DE SZÜKSÉGES SPOILER) Végül Kessler válaszok után kutatva Casey-hez vezet, de nem azelőtt, hogy megnézné, ahogy Esmét a lány akarata ellenére újraprogramozzák. April Mullen rendező és Ryan Christopher Churchill író érthetően hosszasan elmélkedik ezen a traumatikus eseményen, mert ha Esme emberibb, mint azt még a kemény beszédű Kessler is gondolja, érzései nem csak „nullák és egyesek”, ahogy ő fogalmaz. Ez a jelenet talán a leglenyűgözőbb a filmben, nem csak azért, mert hatással van, hanem azért is, mert egyértelmű szándéknyilatkozat. A „Simulant” készítői azt akarják, hogy képzelje el minden általános előrejelzésünk ellenére, hogy ennek a robotnak a fájdalma számít.

A kiváló filmrendező, Cynthia Hill ("Private Violence") valószínűleg azt feltételezte, hogy a "Burden of Proof" játékfilm lesz, de a saga olyan sok éven át húzódott, hogy sorozattá vált. Hét éven keresztül sok időt töltött Stephen Pandosszal, és valós időben örökítette meg a nővére életformáló eltűnésének vizsgálatát. A sorozat első fele lenyűgöző módon nagyon procedurális, ahogy Stephen szakértőkkel találkozik, kérdezősködik a nyomozókkal, és a nyilvánvaló következtetés körül járja körbe, hogy a szülei többet tudnak, mint amennyit állítanak.

1987 februárjában Jennifer Pandos egyszerűen eltűnt. Egy barátja emlékszik, amikor aznap este beszélt vele telefonon, és hallotta, ahogy apja, Ronald rákiáltott, hogy tegye le. Stephen azt állítja, hogy Ronald erőszakos természetű volt, és azzal vádolta, hogy megfulladt és megütötte a gyerekeit. Másnap reggel Jen elment. Margie anya azt állítja, hogy az ajtaja zárva volt, és soha többé nem látták. A Pandos család zárt, biztonságos közösségben élt. Betörésnek semmi jele nem volt. Volt azonban egy megjegyzés, amely csak még zavaróbbá tette az esetet. A rendőrségi őrizetben és azon kívül a feljegyzés azt állítja, hogy valaki Jennifertől származik, és azt állítja, hogy jól van, pénzt kér, és magát Jent idézi. Nem sok értelme volt. És ez még nagyobb gyanút vetett a szülőkre.

Nem segítettek az ügyükön. Stephen rokonaival beszélget, akik azt állítják, hogy Jen szülei soha nem mondtak semmit az esetről. A rendőrség azzal vádolja anyát, hogy nem veszi vissza a hívásokat, ami Jen megtalálásáról is szólhatott (azt sugallja, hogy Margie tudta, hogy nem találják meg). Az emlékezet és a valóság kezd összemosódni. Az egyik börtönben apa azt javasolja, hogy mutassa meg nekik, hol van a teste. Anya megbukott a hazugságvizsgálón. Egy kézírásvizsgálat nem zárhatja ki őt, mint a jegyzet íróját. Minden jel erőszakos veszekedésre és eltitkolózásra utal. Legalábbis ahogy Hill bemutatja, teljesen logikus, hogy Stephen az általa levont következtetésekre jutna.

Én egy szaftos, akciódús Gerard Butler-film mellett vagyok. Egy Gerard Butler-film, amely komolyan akarja venni a geopolitikáját, más kérdés. És őszintén szólva, ez még más kérdés, ha a film nem különösebben szaftos vagy, tudod, akciódús.

Ezen a képen, amelyet Ric Roman Waugh rendezett (aki végigvezette Butlert a 2019-es „Angel Has Fallen” és a 2020-as „Greenland” című filmben), Butler Tom Harrist, a CIA feketeoperátor-ügynökét alakítja, akit először látunk robbanóanyagot telepíteni Irán nukleáris programjának megzavarására. Dicséretes ötlet, a film szerint mindannyian egyetértenénk. Egy kicsit később egy tetőtéri telefonbeszélgetésből megtudjuk, hogy elhidegült lánya anyjától – ne vicceljünk! –, mert a munka rabja – természetesen! És azt is, hogy korlátozott ideig van ideje felszállni egy Angliába tartó repülőre, hogy részt vegyen a lánya érettségijén.

Butler karaktere az idei év sokkal jobb "Sík"-ben ugyanilyen határidővel küzdött, csak abban a filmben a lánya főiskolát végzett, míg ez a lánya úgy néz ki, mintha csak középiskolát végezne.

Jól. Ez a fejlemény minden bizonnyal arra késztetett, hogy felüljek és vegyem észre. Hány elavult hozzávalót szolgált fel Mitchell LaFortune forgatókönyve? Hadd számoljam a módokat. Először is meglepetés, Harris nem éri el a Gatwickbe tartó gépét. Másodszor, össze kell fognia egy afgán fordítóval, Mo-val (Navid Negahban), és öhm, bár kulturálisan világok egymástól elkülönülnek, erős köteléket alkotnak, amely fenntartja és megváltoztatja Harris véleményét bizonyos dolgokkal kapcsolatban. Miután a két fickó fedőjét lerobbantották, el kell jutniuk az afgán város címre, hogy visszajussanak oda, ahová látszólag tartoznak. Egész 50 perc közömbös köntösbe és tőrbe telik, mire első autós üldözésünkbe kezdünk.

Amit a CIA felügyelői egyfajta háborús szobában követnek nyomon, ahol sok mozdulatukat drónkamerák rögzítik. Amikor Harris egy díszes manővert hajt végre egy kisteherautóban, az egyik megfigyelő azt mondja: „Szeretem ezt a srácot, jó”, mint egy sportkommentátor vagy ilyesmi.

A cselekmény szünetében, mint amilyen most is, Mo ad néhány tanácsot Tomnak, hogy mennyire fontos, hogy eljusson a rokonaihoz: „Haza kell menned, és a szívedben kell tartani őket, mielőtt elfelejted, milyen érzés.” A forgatókönyvírók úgy gondolják, hogy az ilyen párbeszédek minél jobban újrahasznosíthatók? Egy milícia táborban Tom egy ismerőse törzsi vezetőjével lazít, aki ezt a gyöngyszemet ajánlja fel: „Minél keményebben próbálsz kiirtani egy ideológiát, annál erősebbé válik.” Nem viccelek. Mo felismeri ezt a macskát, mint egy hadvezért, aki egy mészárlási hadjáratot folytatott, amelyben Mo saját fiát ölték meg, és felhívja. Ez olyan patthelyzethez vezet, amelynek nincs meg az a leve, amelyre vágyik. És az is bátorítja Mo-t, hogy szembesüljön Tommal, hogy milyen nyomorúság van ebben a régióban az olyan beavatkozók miatt, mint az Egyesült Államok Vásárpontja – végre! –, de a film ezen a késői pontján ez szájbarágós szagú.

Mi maradt? Több üldözés, egy az éjszakai látás különböző árnyalataiban renderelve, többnyire zavaró hatás érdekében; némi nemes önfeláldozás egy támogató Special Forces sráctól, felépítés a leszámoláshoz azzal a rejtélyes motorossal, aki az első autós üldözés óta üldözi Tomot (Ali Fazal, aki megőrizte hidegvérét), és aki azonnal ki akar lépni a játékból. kiküszöbölte ezt a célpontot. Más szóval, az összes szokásos gyanúsított. És valamennyien fáradtak.