REPUBLICA FRISS HÍREK

Nida Manzoor fergetegesen vicces és akciódús filmje, az „Udvarias társadalom” egy merész, debütáló játék, amely dacol a kategorizálással. Lényegében a támogató nővérek erejéről szól, de tovább bírálja a kulturális, generációs és nemi elvárások korlátait a jól koreografált magas rúgások és ütések között. Ez egy Edgar Wright stílusú akcióvígjáték, amely keveredik a „Bend It Like Beckham” kultúrákon átívelő kommentárjával, a „Little Women” testvérdinamikájával és egy Jane Austen-hősnő dacával, aki utat vág magának. De ami a legfontosabb, baromi jó idő van a moziban.

Az „Udvarias társadalom” Ria (Priya Kansara), egy tinédzser kalandjait követi nyomon, aki arról álmodik, hogy kaszkadőr nő legyen. Iskola után és közeli barátaival, Clarával (Seraphina Beh) és Albával (Ella Bruccoleri) Ria gyakran tölt időt nővére, Lena (Ritu Arya) társaságában, aki úgy támogatja és megérti őt, mint senki más. családjuk. Lena segít Riának csiszolni harcos személyiségét, videókat készíteni a YouTube-ra, és a pálya széléről szurkolni neki. Szoros kapcsolatuk úgy érzi, az egyetlen dolog, aminek van értelme Ria életében – egészen addig, amíg Lena össze nem pillant Salimmal (Akshay Khanna), egy gazdag udvarlóval, aki leveszi őt a lábáról. Amikor beigazolódik Ria gyanúja családjának Lenával kapcsolatos sötét szándékairól, leendő kaszkadőrnőnk feladata, hogy megmentse a helyzetet, és leállítsa a nővére esküvőjét.

Manzoor, aki a „Polite Society”-t írta és rendezte, a szintén vidám „We Are Lady Parts” című sorozattal tört ki, amely egy kizárólag nőkből álló, csupa muszlim punkzenekar megalakulását követte. A műsor gyors vágása, komikus stílusa és szellemes párbeszéde adja a lényeget annak, amitől az „Udvarias társadalom” olyan zseniális. Manzoor újra találkozik a We Are Lady Parts számos munkatársával, köztük Robbie Morrison szerkesztővel és a jelmeztervezővel, PC Williamsszel, akik remekül illusztrálják a fiatal nőket, akik együtt tanulnak dolgozni a We Are Lady Parts című filmben, és ugyanolyan részletességgel festik meg a film szereplőit. „Udvarias társadalom”. Ria bő, piros-szürke iskolai egyenruhájától kezdve a hagyományos dél-ázsiai zöld-arany együttesig, amikor éppen lezuhan a nagy napon, és egy teljesen bíbor brokát öltönyben harcol riválisával, Williams jelmezei kiemelik Manzoor érzékenységét, és tovább fokozzák a film vizuális esztétikáját, az akciójeleneteket és a komikus elemeket. Ashley Conner operatőr ("The Miseducation of Cameron Post", "Madeline's Madeline") csatlakozik a stábhoz, hogy megörökítse a szövetek vibráló örvényeit a levegőben, eljátssza a rablások, verekedések és fantáziajelenségek felfokozott valóságát, és közelről. Ria és Lena érzelmi utazásán.

Kapcsolódó bejegyzés:

• La Gravité Streaming VF
• Pour l’honneur Streaming VF
• Un an, une nuit Streaming VF
• Les Gardiens de la Galaxie 3 Streaming VF
• Disco Boy Streaming VF
• La Marginale Streaming VF
• Showing Up Streaming VF

Manzoor rendezőként és forgatókönyvíróként kiélvezi filmjének minden összetevőjét és lehetőségeit. A Jackie Chan-szerű képregényharcokon vagy a tökéletesen gonosz anyóson, Raheelán (Nimra Bucha) túl sok minden történik a sorok között. Manzoor hősnőjének megvannak a maga elképzelései arról, hogy mit akar kezdeni az életével, szülei nagy csalódására, és érveik ugyanolyan fejfájást okoznak, mint sok első és második generációs bevándorlók nagy elvárásokkal teli gyermeke. A hibái ellenére Ria láthatja, amit a nővére vagy a családja nem: mennyire téved ez a „smart wanker” Lena számára. Egy társkereső alkalmazás profilján Salim úgy néz ki, mint egy álom – jó szívű, jóképű orvos és büszke anyuka. De amint azt a swipe-élet bármely veteránja elmondhatja, nem minden az, aminek látszik. Ria érdeklődése az olyan kevésbé nőies elfoglaltságok iránt, mint a verekedés, összeütközésbe kerül Raheela elegáns és modoros külsejével, és a tinédzser irányítására tett kísérletei arra kényszerítik őt, hogy a gyantázás és az érzelmi manipuláció gyötrelmes körével fenyegetőzve önmaga nőiesedő, engedelmes változatává váljon. Raheela véleménye szerint a nők nem mások, mint lehetséges partnerek fia számára, és Ria küzdelme nővére felszabadításáért nem csupán mentőakció, hanem szimbolikus megdöntése ennek a szűk, elavult előítéletnek.

Az „Udvarias társadalommal” Manzoor saját sorsát írja le. Létrehozott egy akció-vígjáték rablás hibridet, amely inkább a nővéri szerelemről szól, mint a romantikáról vagy a felsőbbrendűségekről. Ebben az ízletes műfaji közegben Manzoor olyan érzékenységgel jelenik meg, amely egyedülállóan az övé, és izgalmas nézni. A szintén nagyjátékfilmben debütáló Kansara energikus jelenlétet hoz a képernyőre, Manzoor tiszteletlen humorát és éles párbeszédét a hangmagasság-tökéletes előadással párosítva. A film még a legmenekültebb pillanataiban is úgy érzi, mintha visszaszorítaná a szülői, kulturális és nemi elvárásokat. Akárcsak Lena, az „Udvarias társadalom” arra ösztönöz minket, hogy biztassuk Riát, hogy nyerjen, és önmaga legyen.

A „Fehér Ház vízvezeték-szerelői” egy pár bevált amerikai története, akik az elnöküket akarták szolgálni. Ez a leírás bármilyen irányba haladhat, és minden bizonnyal illik G. Gordon Liddy tapasztalt ügynök és társa, Howard Hunt bizarr örökségéhez, akik a később Watergate-botrányként ismert katasztrofális kémműveleteket vezették. Ahogy Alex Gregory és Peter Huyck társalkotóinak ez az ostoba, de enyhe minisorozata bemutatja, ők ketten voltak a leghíresebbek, akik lényegében azon vitatkoztak, hogy ki a legnagyobb hazafi. Az ország és Nixon elnök iránti hűségüket árnyékos és ügyetlen munkába vésték be, feletteseik pedig, mint John Mitchell főügyész és John Dean ügyész, támogatták őket. Watergate előtt Liddy és Hunt arról vált ismertté, hogy elvégezte a munkát, bár nem feltétlenül az "amerikai hírszerzés" kifejezés hízelgő módon.

A Liddy, Hunt, első letartóztatott munkatársaik, a Nixon-kormány stb. által okozott politikai bukta paranoiát, összeesküvést és bizalmatlanságot szított. Ötven évvel később ezek a fogalmak országos szinten régi kalapnak számítanak. A Watergate most egy vicc Amerika infrastruktúrájával kapcsolatban. A „White House Plumbers” kínálja a legkönnyebb mulatságot ezeknek az országot meghatározó eseményeknek a visszakövetésében, Liddy és Hunt vezetésével, de az öt epizódból álló sorozat végül egy nyájas történelmi újrajátszássá válik, amelyet néha rajzfilmszerű reakciók is megtapasztalnak.

A David Mandel (szintén „Veep” timsó, Gregoryval és Huyckkal együtt) minden epizódjával a „White House Plumbers” kezdetben jelentős lendületet kap a két főszereplő furcsasága miatt. Justin Theroux körülbelül olyan nagyképű, amennyire csak lehet Liddy kátrányfekete, nyíltan hamisnak tűnő bajuszával, amely jól párosul az ügynök aggasztó Hitler beszédei iránti szeretetével, fegyvereivel és azzal a hajlamával, hogy a kezét a láng fölött tartsa, mint egy gesztust. a megbízhatóságát. Shea Whigham korábban Starz Watergate és Martha Mitchell „Gaslight” című sorozatában játszotta ezt a nagyobb figurát, még lázasabb intenzitással, és egy ponton ellopta a show-t Julia Robertstől azzal, hogy egy patkánnyal küzdött a börtönben. De Theroux önszórakoztatása a karakterrel kellően fertőző; ez abban van, ahogy Liddy-je királyi hangon beszél, mintha már a fejében egy minisorozat sztárja lenne. Mandel gyakran használ nagy látószögű objektíveket, hogy karakterei még nagyobbnak tűnjenek, mint az élet a keretben (ezt ezen a héten is láthatjuk hasonló hatással David Lowery „Peter Pan és Wendy” című filmjében), és ez különösen alkalmas módszer Theroux ingerült munkáinak megörökítésére. .

Harrelsonnak még több képernyőideje van, mint Huntnak, és a műsor megpróbálja megérteni, mennyire félrevezette Hunt. A „Fehér Ház vízvezeték-szerelői” felnevet néhányat azon, hogy Hunt csak egy réteg választja el Liddy őrültségétől, vagy hogy ő egy nyavalyás apa, akinek titkos munkája van. De Harrelson héja és duruzsoló hangja nagyban hozzájárul az egyébként nyájas komikus és drámai előadáshoz. Hunt karakterének van egy tragikus eleme, amelyet Harrelson nem ért meg, és ez egy elszalasztott lehetőség.

A "White House Plumbers" jobb, mielőtt Watergate-be kerülne, az első felében pedig azt mutatja be, hogy Liddy és Hunt milyen nagyszerűek voltak, de valahogy jók voltak a munkájukban, ami segített nekik vezetni Nixon korrupt elnök-újraválasztási bizottságát. (A cím onnan származik, hogy a "szivárgások kijavításáról" ismerték őket.) A sorozat itt kissé feldobja a komikumát. Harrelson és Theroux bőkezűen elmeséli azokat az eseményeket, amelyekben van némi igazság, és virágzik a Daniel Ellsberg terapeuta (aki híresen kiadta a Pentagon Papers) nyomozásáról szóló szakaszban. Nézzük, ahogy Liddy és Hunt megdöbbentően hamis parókában hülyeségeket csinálnak, például betöréskor a kamera előtt pózolnak (ezt csak tovább rontja, ha Hunt nem veszi ki a filmet, mielőtt az később a hatóságokhoz kerülne). Ez a Coen Bros-lite a történelem keserűségével és annak fenyegető érzésével, hogy milyen rosszul átgondolt minden lépés. A hazaszeretetük nem csak felfújja hübriszüket; komoly bajba sodorja őket.

De ez a varázs nem tart. Az "El tudod hinni, hogy ez valóban megtörtént?" A "White House Plumbers" szöge elveszíti élét, amikor a Watergate utóhatásaihoz ér, és aláássa a mellékelőadásait. Ez az önelégült sorozat rengeteg vicces támogató embert – Joel Murrayt, Toby Husst, Ike Barinholtzot, Judy Greer-t, David Krumholtzot, Domhnall Gleesont és még sok mást – toboroz, mintha könnyedebb természetet akarna jelezni, de minimálisra csökkenti, amit kínálhatnak. A műsor korábbi hozzáértése aztán vékonyra nyúlik, és a "White House Plumbers" nem tud határozott hangnem mellett dönteni. A mulandó szórakozás inkább az eseményekről szól: Nixon bevallotta, hogy hazudik, és megszökött; azok, akik alatta dolgoztak, drámaibb utat jártak be valamiféle elszámoltathatóság felé, beleértve a megpróbáltatásokat és a lojalitás meghatározásával való szembesülést.

A „Fehér Ház vízvezeték-szerelői” bőséges helyet biztosít Hunt családjának, és sok időt tölt azzal, hogy megfigyelje, hogyan hatott Hunt tettei a nyolctagú családra. Az egyik legrosszabb ponton Hunt meg is kéri hippi-rocker fiát, hogy semmisítse meg a bizonyítékokat. A Hunts hazai drámájának olykor áthúzódó folyamata során legalább Lena Headey kapunk egy ütős teljesítményt Dorothy Hunt szerepében, aki egy saját kalandtörténettel és határozott gerincű házastársat jelenít meg, még akkor is, ha a férjével határvonalat húz. A negyedik epizód egyik meglepő pillanatában a családi kapcsolat halálossá válik, és Hunt fejében az összeesküvés fogaskerekei felpörögnek. Annyit tud, ami veszélybe sodorhatja a Fehér Házat. De Nixon soha nem akasztaná fel, mint egy nagy hazafit, hogy kiszáradjon, igaz?

Beszédes, hogy a Watergate betörési jelenetek – közülük négy, a harmadik kísérlet az, amikor bevitték a vezetékeket és a hibákat a DNC-irodába – ingerült ritmust hoznak létre a műsorban, amikor annak ugyanolyan egyenletesen forgácsolónak kell lennie, mint a végig hallható gyors bongóknak. Az állás. A „White House Plumbers” úgy véli, hogy a betöréses saga megér ennyi összpontosítást egy-két pofás montázs helyett. És így látjuk, ahogy mindegyik felemelkedik és elbukik, Hunttal, Liddyvel és ugyanolyan ostoba társaikkal, akik a feltűnhetetlenség gondolatával küszködnek (egyszer csak kibérelnek egy különtermet a Watergate-ben, és a Democrate National dolgozóira várnak. bizottsági iroda az emeleten, hogy tisztázza). Ezeknek a jeleneteknek ütősebbnek és viccesebbnek kell lenniük. Zavarral visszatekintve a „Fehér Ház vízvezeték-szerelői” nevetséges és igaz eseményeket is tartalmazhatnak, de nem tudunk eleget nevetni.

A "Peter Pan & Wendy" nagyjából az, amit az ember Walt Disney animációs klasszikusainak élőszereplős változatától elvár, amelyből mára sok van. A film közönségének egy jó része arra számít, hogy élőszereplős újraalkotásokat láthatnak olyan helyzetekből, amelyeket ismernek és szeretnek az 1950-es Disney rajzfilmből, amelyet egyszerűen "Pán Péternek" hívtak. A társíró és rendező, David Lowery nem okoz csalódást a nosztalgikus összeszokottság miatt, bár egyes nézők (mint például ez) azt kívánhatják, hogy erősebben küzdjön ellene. Rengeteg Peter Pan remake, újraindítás és újragondolás történt, de igazából egyik sem fordítja ki a történetet, vagy választja szét – még Steven Spielberg „Hogja” sem, amely végül a „Soha ne veszítsd el a belsőddel”. gyermek."

A történet azzal kezdődik, hogy Wendy Darling (Ever Anderson) vezeti öccsét, Johnt (Joshua Pickering) és kisöccsét, Michaelt (Jacobi June) egy lelkes játékmenetben, amely magában foglalja a kardcsavarást, a futást és az ugrálást, majd néhány szép pillanatot. a gyerekek és szüleik (Molly Parker és Alan Tudyk). Nemsokára Peter Pan (Alexander Molony) egy másik birodalomból lép be, a pint méretű tündér Tinkerbellel (Yara Shahidi, a „Black-ish” és a „Grown-ish”) mellett. Egy féreglyukon keresztül Sohaországba viszik őket a jobboldali, mesés Második Csillag közelében. A másik oldalon találkoznak és összebarátkoznak a Lost Boys-szal (látszólag a Benneton katalógus sünök mintájára a "Hook"-ban), valamint az indián hercegnővel, Tiger Lily-vel (Alyssa Wapanatahk, a Bigstone Cree Nation tagja), aki zálogdíj-sztereotípia a Disney rajzfilmben, de itt akció-hősnőt alakítanak ki, szó szerint többször is segítségül lovagolva.

Jude Law, aki belenyugszik a "Csak azért vagyok itt, hogy jól érezzem magam!" karakter-színészi fázisban rögzíti a filmet Pan ellenségeként, Hook kapitányként. Law inkább neurotikus komikus figuraként játssza a karaktert személyes problémákkal, semmint ijesztő gazemberként (bár a pici nézők továbbra is bútorok mögé akarnak majd bújni, amikor elrendeli az összes Darling gyerek halálát). Lowery a Magua vagy a Killmonger gazember antihősként kezelt Hook-ot egy kicsit, vagyis annyira rokoníthatóvá tette a karakter Bad Guy Origin Story-ját, hogy inkább szánalmasnak, mint utálatosnak tűnik. Jim Gaffigan, aki John Goodman-szintű mellékjátékossá formálódik, Hook mellékjátékosát, Smee-t játssza érzelmileg zúzott, elkeseredett alárendeltjeként, egy csapnivalóként, akinek határozottan megvannak a hibái, de főleg azért van elkeseredett, mert túlterheli, hogy meg kell elégítenie egy főnököt, aki úgy gondolja, megoldás a rossz morálra, ha több embert dobunk a vízbe. A Peter-Tinkerbell párost is újragondolták, részben: egyértelmű, hogy ő a duó főnöke, néha úgy tűnik, hogy pszichésen parancsol neki, vagy legalábbis olyan javaslatokat vagy feladatokat ültet be a fejébe, amelyek elhitetik vele, hogy ő önállóan cselekszik.

Ebben a filmben minden teljesítmény jó, néha több, mint jó, és kevés mondható el a filmkészítés ellen, a szép naptárművészettől az igazán ihletettig (bár van egy komoly probléma a világítás/színbesorolás egyik aspektusával; lásd alább) . Az akciódús csúcspont, amely egyes főszereplők terápiás foglalkozásaként is szolgál, álomszerű kísérteties képekkel rendelkezik, és Law számára kielégítő kilépést biztosít, amely megfelel a karakter e megtestesülésének. Ám az egészben van egy kis elszalasztott lehetőség, és néha elgondolkodhat azon, vajon Lowery és írótársa, Toby Halbrooks mélyebbre akartak-e merülni, mint ahogyan azt tudták, hogy a Disney szerzői jogokkal foglalkozó, árut értékesítő vezetői engedték volna. (Ebben egy igazán felforgató "Pán Péter" szatíra készül a Peter-Tinkerbell kapcsolatból: ő egy aprócska, néma nő, aki alapvetően nem tud semmit csinálni, hacsak nem egy bájos férfi-fiút használ hangszerként).

Akárcsak a Disney legutóbbi, CGI-vel erős "élőszereplős" feldolgozásai hagyományos animációs katalógusbeli kedvenceikről – „A dzsungel könyve”, „Szépség és a Szörnyeteg”, „Az oroszlánkirály” és így tovább –, Lowery Pán Péter-filmje is megismétli az akciósorozatot. darabok, ismert díszletek és jelmezek, oly módon, hogy a közönség "csak add meg, amit már tudom, hogy akarok" viszketést okoz. De nem rombolja fel vagy találja fel újra közvetlen vállalati elődjét, ahogyan a "Pete's Dragon" tette. És mérföldekre van távol az olyan dolgoktól, mint a „Zöld lovag”, amely a kereskedelmi mozi mércéihez képest radikális volt, némileg befolyásolta a művészeti drogos misztikumot, és arra ösztönzi a nézőket, hogy vitatkozzanak arról, mit jelentenek a kulcsfontosságú pillanatok és képek.

A kisgyerekek valószínűleg élvezni fogják ezt, a lefekvés előtti mese moráljával és következtetéseivel. De azt is el kell mondanunk, hogy őket és szüleiket frusztrálhatják azok az éjszakai jelenetek, amelyek annyira homályosak és homályosak voltak a fogyasztói (de professzionálisan kalibrált) tévékészülékemen, hogy ha nem a dialógussáv (vagy felirat) lenne, az néha az volt. nehéz megmondani, mi történt. Az éjszakai Sohaország első pillantása egy gyönyörűen részletezett miniatűrre utal egy kávéval teli hógömbben. Ez a probléma számos speciális effektusok által vezérelt kasszasiker projektnél jelentett a streamelési korszakban, beleértve a „Trónok harca” utolsó évadát, és egy bizonyos pont után nem hiszem, hogy „Szükséged van egy drágább televízióra” vagy "a probléma az alacsony sávszélesség" elfogadható viszonzás. De elkanyarodok.

Lowery játékrendezőként kezdett független drámákkal, amelyek hihetően valós emberekről szólnak, köztük a "St. Nick" és az "Ain't Them Bodies Saints" című filmekkel, és több filmet is kiadott ebben a szellemben (köztük az elragadó "The Old Man and the Gun" című filmet). ). De a tündérmesék és mítoszok újraértelmezőjeként is helyet kapott. Némelyik már meglévő vállalati IP-n (szellemi tulajdon) alapul, beépített többgenerációs közönséggel, mint például ez a film és a "Pete's Dragon", és készített egy másikat, amely a tényleges mitológiából merít, a 2021-es "A zöld lovag" című filmet. Az ő "Pán Péter"-változata a legkevesebb a "mitológiai" triptichonjából, azzal a sugallattal ugratva, hogy a feje tetejére állítja a Pán Péter-történetet, és megrázza mindaddig, amíg a feltáratlan szubtextus utolsó darabja is ki nem esik, de soha nem megy odáig. . A „Peter Pan & Wendy” végül megelégszik azzal, hogy „mindenkinek hiányzik az anyja”, ez az érzés a legtöbb emberre igaz, de vékony nádszál, amelyre egy ilyen nagy filmet akaszthatunk, különösen, ha más problémákkal küzd.

Nicolas Cage Dracula szerepében pontosan olyan elragadóan, ámulatba ejtően felülmúlja, ahogyan azt szeretné, hogy legyen a „Renfieldben”.

Évtizedek metaforikus rágcsálása után a tájon, Cage szó szerint belesüllyeszti a fogát, mint a sötétség előkelő hercege. Vad szemű szállítása tele van megdöbbentő kitörésekkel és váratlan hajlításokkal, és a báj meghintésével, hogy távol tartsunk minket. Ez egy természetes evolúció 35 évvel a „Vámpír csókja” után, mivel most már teljesen elmerül e mitológiai szörny olthatatlan szomjúságában.

Cage teljesítménye – ez egy támogató fordulat, mivel ez a film valóban Drakula főemberéről szól – folyamatosan szórakoztató marad, még akkor is, ha a film egésze kevésbé. Renfield szerepében Nicholas Hoult mulatságos, egyenes emberként szolgál: amolyan szüreti Hugh Grant-féle módon imádnivalóan összezavarodva, a magabiztosság felvillanásával, amikor karaktere seggbe rúg. És ezt sokat kell tennie: „Renfield” az alábecsült komédiát őrülten megnyilvánuló erőszakkal keveri, oly módon, hogy az túl karikatúra ahhoz, hogy sokkoló vagy ijesztő legyen. Levágott végtagokról, felrobbanó fejekről és kiömlő vérözönekről beszélünk. A legtöbb esetben ez a kombináció működik, egyszerre inspirál nevetést és zihálást.

Ám Chris McKay filmje, amely Ryan Ridley és Robert Kirkman ("The Walking Dead") forgatókönyvéből készült, aláássa ezt az élvezetet a támogató játékosokkal és a közel sem olyan lenyűgöző sztorikkal. Az ismerős mese jelenkori elbeszélésének központi dinamikája az, hogy Renfield rosszul van attól, hogy mérgező, társfüggő kapcsolatban ragadt nárcisztikus főnökével. Ez egy vicces ötlet a nyitóképből: közeli kép egy névtábláról, amelyen ez áll: „Hello My Name Is Renfield”, amint körben ül egy önsegítő találkozón. Ezeknek a túlvilági figuráknak a hétköznapi humanizálása pedig a „What We Do in the Shadows” elhalt humorát juttatja eszünkbe. De az anyag, amely ezt a történetet tovább fokozza, annyira nyájas és fejletlen, hogy „Renfieldet” úgy érzi, mint egy vékonyra kifeszített vázlatkoncepciót.

Olvassa el is:

• Notre Tout Petit Petit Streaming VF
• Quand Tu Seras Grand Streaming VF
• Hokusai Streaming VF
• Ma Langue au Chat Streaming VF
• Le Jeune Imam Streaming VF
• Misanthrope Streaming VF

Ennek azonban van ígérete. McKay szórakoztatóan beilleszti Cage és Hoult e karakterek alakítását a műfaj klasszikus példái közé, mielőtt megállapítaná, hogy most New Orleansban élnek, és áldozatokat keresnek. Boltot rendeztek be egy elhagyatott kórházban, miközben Renfield új testeket keres, hogy táplálja gazdáját, Drakula pedig azért küzd, hogy visszanyerje teljes erejét. A smink és a vizuális effektusok mindvégig lenyűgözőek, ahogy Drakula a ragacsos groteszk különböző állapotaiban sínylődik, mielőtt visszatérne tipikus rikító dicsőségéhez.

Útközben, és támogató csoportja (amelyet a tetszetős Brandon Scott Jones vezet, pontos időzítéssel) bátorítására Renfield rájön, hogy más élet is lehetséges számára – egy boldog saját élete. Vicces részletek bővelkednek a produkcióban és a jelmeztervezésben, ahogy Renfield egy vidámabb, színesebb személyiséget keres, távol attól a gótikus esztétikától, amely az elmúlt évszázadban meghatározta.

De aztán beleszippant egy unalmas cselekménybe, amelyben Awkwafina a New Orleans-i magányos zsaru, aki nem korrupt. Szereplője, Rebecca válaszokat keres és bosszút áll apja, egy legendás rendőrtiszt haláláért. Nagyjából ennyi a karaktere; Camille Chennek, mint FBI-ügynöknővére, még kevesebb dolga van. Awkwafina elkeseredett, értelmetlen előadásmódja mulatságos, neki és Houltnak pedig tüskés a kémiája – olyannyira, hogy azt kívánod, bárcsak érdekesebb lenne a szerepvállalása. Hasonlóképpen, Ben Schwartz is undorítóvá válik, és nagyjából ennyi, mint egy kartellfőnök törekvő, kábítószer-kereskedő fia (Shohreh Aghdashloo papírvékony szerepben és mesés erőruhák sorában).

Ebben a szereposztásban és ebben a koncepcióban rengeteg lehetőség rejlik. A Drakula-tan megismerése, meta-feltárása gyakran meglehetősen okos. A „Renfield” pedig rendkívül szórakoztató tud lenni szórványos sorozatokban. De ha a nap erős fényében vizsgáljuk, porrá zsugorodik.

Szerető olvasók milliói számára Davina Pardo és Leah Wolchok „Judy Blume Forever” című dokumentumfilmje egy nosztalgikus utazás a gyerekkorba, még akkor, amikor buzgón lapoztak az Are You God? It’s Me, Margaret., Tales of a Fourth Grade Nothing, Superfudge vagy Blume bármely könyve, amely generációk óta örömet okoz a rajongóknak. De az amerikai olvasóközönség egy része számára – azok számára, akiknek nem engedték elolvasni a művét („túl felnőttek” és „túl világiak” voltak az okai annak, hogy hiányzott a floridai iskolai könyvtáramból), vagy nem tud róla – a „Judy Blume Forever” elbűvölő bemutatkozása a szerzőnek, élettörténetének és számos könyve mögött rejlő inspirációnak. Rajongó vagy sem, ez a szeretettel kidolgozott tisztelgés a szerző előtt ugyanolyan barátságos és vendégszerető, mint Blume, amikor Key Westben lévő könyvesboltjában köszönti a vásárlókat.

Mielőtt Judy Blume köznév volt, ideges gyerek volt, aki a világháború árnyékában nőtt fel. Évekkel később, miután elhelyezkedett fiatal háziasszony szerepében, esti meséket kezdett írni két gyermekének. Aztán egy kiadó végre adott neki egy esélyt, és néhány év múlva írói karrierje virágzott. De a „Judy Blume Forever” többről szól, mint magáról az íróról. Szó esik az országban zajló társadalmi változásokról, a nemek közötti korlátokról, amelyeket Blume áttört a könyveivel, küzdelméről, hogy profiként komolyan vegyék, amikor mások gúnyolják gyerekbarát irodalmát, valamint a konzervatív törekvések elleni folyamatos harcról, hogy betiltsák a könyveket. fiatal olvasók.

Blume gyengéd elbeszéléssel vezeti végig hallgatóságát saját történetén, felidézve vicces és tragikus anekdotákat, megbánás és öröm emlékeit, és olyan meleg lelkesedéssel olvas fel részleteket könyveiből, amelyek életre keltik ezeket a szereplőket és pillanatokat – gyakran vizuális segítséggel Angelique Georges animátor és Andrew Griffin és Martin O'Neill kollázsművészek. Pardo és Wolchok szakértelemmel használ archív felvételeket, például a korszak régi hirdetéseit és a híradókat, hogy Judy Blume életének különböző időszakaiba repítsék a nézőket, amelyeket aztán családi fotók és házi filmek kincsesbánya illusztrál. A kamerával szemben Blume egy sérülékeny, de erőteljes történetmesélő, aki nem fél beszélni történetének fájdalmasabb pillanatairól, például apja hirtelen haláláról és romantikus kudarcairól, mint ahogy alig szeretné megosztani az egyes történetek mögött meghúzódó fejleményeket. könyvei közül. Blume zseniális jelenlétére építve Jenni Morello és Emily Topper operatőrök, valamint Lauren Culjack (Kotomi) zeneszerző élénk és játékos energiát visz a dokumentumfilmbe.

Blume hangja a legkiemelkedőbb a filmben, de hamarosan csatlakozik hozzá a barátok, a család és a rajongók éleslátó kórusa. A gyerekkori barátok már korán emlékeznek az iskolaudvarra és a Blume-mal megosztott beszélgetésekre, amelyek később ötleteket inspiráltak néhány könyvéhez. A dokumentumfilm interjúkat is tartalmaz Blume gyermekeivel, Randyvel és Lawrence-szel, valamint férjével, George Cooperrel, hogy bepillantást nyerjen a szerző életébe az íróasztalától távol. Más rajongók, köztük az írók, Jacqueline Woodson, Mary H.K. Choi, Tayari Jones, Alex Gino és olyan hírességek, mint Molly Ringwald, Samantha Bee és Lena Dunham, tovább értékelik munkáját, és megmagyarázzák tartós vonzerejét. Végül, és a legérzelmesebben, Blume-nak írt leveleket hallunk olyan problémákkal küszködő gyerekektől, akik a könyvei lapjain találtak vigaszt. Közülük ketten, Lorrie Kim és Karen Chilstrom mára felnőttek tanúi munkája pozitív hatásának. Megnyugvást találtak a könyveiben, és fiatalon kezdtek írni Blume-nak, és az évek során folytatták a levelezést az írónővel a fontosabb életesemények és nehéz idők során. Blume életükben betöltött szerepe hatásos, és arról árulkodik, hogy hány kimondhatatlan órát töltött minden korosztályú olvasóival.

A 25 cím és több mint 80 millió eladott példány miatt nincs hiány Judy Blume történetekben. A „Judy Blume Forever” című filmben Pardo és Wolchok melegszívű elismerését fejezi ki egy amerikai irodalmi ikonnak, amely nosztalgikus emlékeket idéz fel, feltárja az írott szó erejét, elmagyarázza a felejthetetlen sorok eredetét, és emlékeztet bennünket, mennyire időszerű Blume harca a könyvcenzúra ellen. még mindig, különösen azért, mert jelenlegi állama, Florida keresztes hadjáraton vesz részt, hogy ne csak Blume könyveit olvassák el, hanem LMBTQ szerzők és színes bőrű írók könyveit is. A dokumentumfilm egy pontján Blume azt mondja: „Életem legrosszabb időszakain keresztül tudtam írni”, és Blume az írás révén találta meg a hangját. A „Judy Blume Forever” méltó tisztelgés egy életmű előtt, amely a még felnövő és hangjukra találó olvasók generációit szolgálja.

Hallottál valaha arról a fiúról, aki félt az anyjától? A „Beau Is Afraid” három döbbenetes, néha kimerítő, mindig elbűvölő órán keresztül meséli ezt a viccet. A középpontban Joaquin Phoenix lenyűgöző előadása áll, aki azt valósítja meg, hogyan néz ki egy fiú, aki hirtelen abbahagyja a növekedést, és csak őszülő testté öregszik. Phoenix kicsinyíti a száját, mintha még mindig szoptatna, a hangja pedig erősen törékeny. Szemei, amelyeket gyakran az ősi természet jelzésére használnak, még soha nem láttak ilyen lágynak. A karaktere túl ártatlannak bizonyul ehhez a világhoz. A kibontakozó történet Beau rémálma és sorsa.

A film írója/rendezője Ari Aster, aki mindig is vicces srác volt. Kiváló, traumákkal teli drámái, az „Örökletes” és a „Midsommar” talán tele vannak a kapcsolatok borzalmával, de az alattuk lévő kegyetlen vicc adja a mozgatórugóját – koromsötét vígjátékok a szabad akarat elvesztésétől való egyetemes félelemről. , attól, hogy kezdettől fogva becsavarják. A „Beau Is Afraid” egy magával ragadó fantázia, amelyet anyuci problémákkal tarkítanak, és arról szól, hogy születésétől fogva halálra van ítélve. Ez Aster eddigi legviccesebb filmje.

Beau egy alapvető Aster főszereplő, aki alig jut el egy pokoli tájra, amelyet Aster és Fiona Crombie produkciós tervező szeretettel részletezett. A belvárosi negyedet, ahol Beau él, az erőszak és az őrület határozza meg: az emberek verekednek az utca közepén, azzal fenyegetőznek, hogy leugranak az épületekről, holttestek hevernek. Ez egy Busby Berkeley musical, halállal és pusztítással a koreográfia. A régi munkatársával, Pawel Pogorzelskivel együttműködve Aster felméri ezt a fényűző káoszt, mint Peter Greenaway, aki hosszú ebédlőasztalokat tett a „The Cook, the Thief, His Wife & Her Lover” című filmben. Itt az ilyen nyomkövető felvételek pompásan megörökítenek egy beteges szomorú világot, amely élve falja magát fényes nappal.

Ez a világépítés Beau számára olyan, mint egy dühös nyitány a toronymagas aggodalmaknak, amelyeket később a jelenben és a visszaemlékezésben látni fogunk: a személyes tér hiánya, a veszély, hogy képtelen leszel mások kedvében járni, és a burjánzó balszerencse lehetetlensége. . Kíméletlen humorérzékét felkaroló Aster minden abszurd, klausztrofóbiás fejleményével magával ragad, mint amikor egy dühös szomszéd folyton kottákat csúsztat neki, hogy lecsökkentse a hangerőt, pedig ő csendben ül. Ez egy ütős, pörgős első felvonás sikítástól röhögni, és olyan rettegéstől mentes ritmust alakít ki, amelyet a film nem értékes megtartani. Innentől semmi sem lesz olyan sima; az inkonzisztencia zavarónak bizonyulhat.

Beau életének legijesztőbb pillanatai az édesanyjától, Mona Wassermanntól érkező telefonhívások, amelyek kezdőbetűi egy díszes logóra vannak rányomva, amely szinte minden elemén látható romos lakásában. A telefonban Patti LuPone remek méreggel játszott Mona óriási, nyugtalanító feszültséget kelt azáltal, hogy Beau még kisebbnek érzi magát. Aster kizsigerelt párbeszéde ragyog ("Bízom benne, hogy helyesen cselekszel" - mondja anya). A bűntudat, a szégyen és a megaláztatás, mindez egy telefonhívásba van csomagolva, miután véletlenül lekéste a járatát, hogy lássa őt (ez egy hosszú történet). Nincs szabad akarata, de megélt szüksége, hogy ne okozzon csalódást anyjának. Phoenix legjobb pillanatai ebben a filmben a hosszú közeli felvételek, amikor telefonál, és azért küzd, hogy mindent egyben tartson, különösen, amikor később szörnyű híreket hall az anyjáról.

A „Beau Is Afraid” különböző hosszúságú és hangvételű fejezetekben hangzik el, amelyekben Beau hullámzó biztonságérzetet él át. Egy összeomlás után, ami miatt sikoltozva meztelenül rohangál az utcákon, Beau súlyosan megsérült, és két szülő felügyelete alatt áll a külvárosban (Nathan Lane és Amy Ryan), akik épp elég mosollyal leplezik fájdalmukat, miközben gondoskodnak és etesd meg tablettákkal. Beau-nak meg kell látogatnia az anyját, és holnap segítenek neki ebben. Beau egyfajta helyettesítő fia lett az elhunyt katonafiújuknak, Nathannak, és új ellenséget talál Toniban (Kylie Rogers), akit mérges ez a furcsa fickó, aki a szivárványszínű hálószobájában alszik. Mindenki elbűvölő sötétséget visz ennek a sorozatnak a mosolygós horrorjába, de Rogers egy élénk hiba a fejezet hátborzongató szimulációjában egy nukleáris családról. Minden jelenetben ki-be lép, a természet hatalmas ereje (és sok ilyen van ebben a filmben), ami Beau odüsszeiáját még megdöbbentőbbé teszi.

A film felénél a „Beau Is Afraid” leültette Phoenix karakterét, hogy egy stop-motion szekvenciába lebeghessen, a Cristóbal León és Joaquín Cociña („A farkasház”) rendezte feltűnő animációval. Ez egy film a filmben, amelyben a „Beau Is Afraid” bonyolult fejterének szentimentális, hallucinatív, költői darabjait érinti, és kiegészíti a furcsaság egyéb pillanatait. Ez is hozzájárul a film súlyosan szabálytalan ritmusához (mint például a híres aljas vicc, az „Arisztokraták”, a „Beau Is Afraid” a formátlan érintőket részesíti előnyben teljes borzasztó hatása miatt, amely időnként tompa, néha távolságtartó). A sorozatot egy lényeges metafora zárja, amely fontossá válik a film gazdag, fájdalmas jellege szempontjából, a művészet annyira életszerűvé válik, hogy észre sem veszi, mennyi benned van.

A „Beau Is Afraid” visszaugrál az időben, hogy többet mondjon el nekünk az ifjú Beau-ról (Armen Nahapetian), amely magában foglalja a tengerjáró hajón töltött emléket egy fiatal lánnyal, aki miatt az anyja fenyegetve érzi magát. A jelenetek vizuálisan lenyűgözőek a mesterséges díszletek miatt, és a Nahapetian úgy néz ki, mint egy elöregedett Phoenix, de feltárja Aster bővülő maximalista látásmódjának hiányosságait is. A gyengédséget nem tudja elég őszintének érezni, és néhány nehézkezű fejlemény kiüresíti azt, amit szívből jövő tragédiának szántak.

Zoe Lister-Jones Monát alakítja ezekben a jelenetekben, és ez milyen kolosszális előadás. Mona irányításának és szükségleteinek ábrázolásával Lister-Jones lerántja a rolót arról, hogy mitől alakult ki ilyen szörnyeteg Beau elméjében, miközben segít megérteni Beau-t. Van egy sorozata, amelyben vörös fény fürdeti az arcát, miközben sötétben fekszik a fiával, elmesélve neki egy múltbeli emléket, amely végleg felforgatja Beau-t. Ez egy teljesen hipnotikus monológ, ami részben annak a térnek és riasztó szelídségnek köszönhető, amellyel Lister-Jones minden egyes traumatizáló kinyilatkoztatást ad nekünk mondatról mondatra.

A film harmadik felvonása, a konkrét események itt nincsenek elrontva, a „Beau Is Afraid” teljes formáját ölti, mint egy terapeuta jegyzettömbjéből adaptált kizsákmányoló film. Ez egy teljes Grand Guignol érzelmi és pszichológiai trauma, rémület pillanataival, pofátlanul karikatúraszerű abszurditásokkal, valamint a múlt és a jelen kényelmetlen keverékével, egy tökéletesen kiválasztott Mariah Carey dal kíséretében. Az Aster több karaktert, kinyilatkoztatást és több pszichológiai változatos robbanást rejt magában. De ennek a lázas munkának minden ereje ellenére, beleértve a tűz-kénköves előadásokat is, olyan fáradtságot kelt, amely nem Aster javára válik. A szekvencia vizuálisan csodálatra méltó – nyugtalanító modern építészeti környezete rajzolódik ki karakterei fölött, és hangos kacagást keltő képek is kiegyenlítik a hangot. De akárcsak Bobby Krlic partitúrájának intenzív vonósai, nyomasztó atonális jellege ilyen nagy hangerőn elzsibbad; így tesz a központi párbeszéd, amely egy ödipáli esztrichet eredményez, és az önparódia határát súroló fordulatok. Nagyszerű nyilatkozatában a „Beau Is Afraid” azt kockáztatja, hogy bonyolult, de kaotikus elrendezését egy egyszerű sikolyba törölje.

A film számos meglepő előadást tartalmaz, amelyek a film szokatlan környezetében virágoznak, például Parker Poseytől, Denis Ménochettől és Stephen McKinley Hendersontól. De a „Beau Is Afraid” legfontosabb alakja Aster, aki itt nyíltan birkózik a munkájával. Egyetlen szabály sem mondja ki, hogy valakinek bizonyos mennyiségű jellemzőre van szüksége, mielőtt számot vetne a szerzőségükkel. A „Beau Is Afraid” megfelelő módon olyan, mint egy lázálom Aster korábbi alkotásait és bűvöleteit bemutató múzeumban – ez nem csak a 2011-es eredeti, „Beau” rövidfilm, hanem a „Münchausen” című rövidfilmjének előfeltétele, a pokoli városi táj. A „C'est la Vie” (főszerepben Bradley Fisher, a „Birthday Boy Stab Man” szerepét játszó férfi) és Aster rögzítése a fejsérüléssel, kommunákkal stb. ”, amelyet még intenzívebbé tesz a filmben az első személyű nézőpontból készült felvételek megrázó használata (egy rémült fiú biccent az anyja felé) és a befejező jelenetek. A „Beau Is Afraid” első jelenete így néz ki kívülről a film személyes természete. Az utolsó jelenet megmutatja, milyen érzés az egésznek szórakozásnak lenni.

Mindez természetesen a film első megtekintésén alapul. Az „Örökletes” és a „Midsommar” minden csodálója tudja, hogy ezek a filmek jobban megérthetők, ha többszöri megtekintéssel és minden alkalommal közelebbről megvizsgáljuk a mechanikát. Aszter rendkívüli előadóművészi képességének része, amikor felfedi ezeket a szörnyű kapcsolatokról szóló cselekményeket, az, hogy eljátssza, mennyit kap a közönség az első megtekintéskor, szemben a második vagy harmadik alkalommal. Leginkább arra vagyok kíváncsi, hogy a „Beau Is Afraid” érzelmei hogyan mutatnak majd még bonyolultabbá, vagy összeomlanak a súlyuk alatt, ha már mindhárom órája ismerősebbnek tűnik. De akárcsak Paul Thomas Anderson harmadik filmje, a Magnólia (szintén három óra), az ambíció a lényeg.