REPUBLICA FRISS HÍREK

Az ördögűzőről írt eredeti , 1973-as recenziójában Roger Ebert arról írt, hogy mennyire helyes volt az idősebb pap szerepét adni, aki a gonosszal küzd a nagyszerű karakterszínésszel, Max von Sydow-val: „Annyi vallási és metafizikai válságon ment keresztül Ingmar Bergman filmjei szerint szinte úgy tűnik, hogy egy teológiai csatatérhez tartozik, ahogy  John Wayne  a lovon." 

A „Pápa ördögűzője” ezt a két képet ötvözi Russell Crowe-val Gabriele Amorth atya főszerepébe., teológus, újságíró, könyvszerző és a pápa által kijelölt ördögűző. Amorth egy ravasz, kemény, okos pap, aki minden új küldetéshez fegyverforgatóként áll hozzá. Pisztolyok, puskák és vadászkések helyett van egy ördögűző készlete, feszületekkel és szenteltvízzel, amit egy nyeregtáska méretű tokban hord magával. A lova egy piros-fehér robogó, amely túl kicsi Crowe lógós karakter-színész testéhez, de ezért tökéletes, csodálatos látványt nyújt. Amorthnak még egy apró whiskys kulacsja is van, amit ragaszkodik ahhoz, hogy vigye magával, hogy enyhítse a karcos torkát. Úgy írt és úgy ad elő, mint azon fanyar, keményen harapott rosszakarók közé, akiket az 1960-as évek westernjeiben olyan idősödő, de még mindig népszerű akciósztárok játszottak, mint  Burt Lancaster , Kirk Douglas.és (igen) John Wayne. Szereplőik rámutattak az úgynevezett civilizáció képmutatásaira, de mégis megvédték azt. Ők már mindent láttak, de még mindig sokkolhattak.

A Julius Avery ("Overlord") által rendezett filmet egy igazi pap ihlette, akinek történetét William Friedkin , az "ördögűző" rendezője  egy dokumentumfilmben mesélte el . A film Amorthot követi nyomon, a vidéki spanyolországi kopott apátságba vezetni. egy démon egy fiatal fiú testéből. Horrorfilmként forgalmazták, de inkább elfoglalt és türelmetlen, mint hátborzongató és ijesztő, különösen akkor, ha keresztezi az apátságban és a Vatikánban (ahol Franco Nerojátssza a pápát, aki tudja, hogy többről van szó, mint egy kerti fajtabirtokról). Végső soron egy teológiai akciófilm egy régimódi western felhangjával egy idősödő fegyvernökről, aki egy komoly, de kipróbálatlan fiatalabb partnerrel (Daniel Zovatto Esquibel atya) szövetkezik, hogy megmentse a nőket és a gyerekeket a szörnyű ellenségtől.

Alex Essoe alakítja Juliát, egy özvegy kétgyermekes anyát, akinek férje két évvel korábban autóbalesetben halt meg, így neki maradt a fent említett apátság, amelyet a reményei szerint felújíthat, hogy eladja és kifizesse a családi adósságait. Juliának van egy tinédzser lánya, Amy (Laurel Marsden), aki olyan módon lázadó, amit valamikor "lazanak" neveztek volna, és van egy 12 éves fia, Henry (Peter DeSouza-Feighoney), aki végül a természetfeletti gonoszság befogadója, ami nagyjából ugyanúgy nyilvánul meg, amióta Friedkin átdolgozta William Peter Blatty forrásregényét: trágárság, istenkáromlás, nyílt sebek, hányás, harapás, lebegés, anatómiailag lehetetlen módon csavarodó testek. stb.

A nyitó szekvencia a legeredetibb dolog a filmben: Amorth az előételek ördögűzésének felérő ördögűzést kezeli a szemétbeszéddel, felszítja arroganciáját, hogy legyőzze magát. A jelenet éppen eléggé lebilincselő ahhoz, hogy reménykedjünk, hogy egy ritka eredeti karakterrel ismerkedtünk meg végtelen franchise-potenciállal: gondoljunk csak James Bondra egy elfordított gallérban, vagy Columbo nyomozó teológiai unokatestvérére, akinek furcsa modora és kócos. megjelenése miatt a gyanúsítottak alábecsülik őt. Még egy utóirat is úgy tűnik, mintha Amorth csatlakozna a Bosszúállók Kezdeményezés ördögűző változatához. A producerek könnyű tapsot ragadtak meg azzal, hogy nem fejezték be a filmet egy nyomtatott címlappal, amely azt ígérte: "AMORTH ATYA VISSZATÉR."

Sajnos a „A pápa ördögűzője” az ördögűzős filmek kliséinek nézhető, de korántsem különleges feldolgozása, kitérőkkel egy vatikáni összeesküvés cselekményébe, amelyet Dan Brown regényeihez hasonlítottak, de félig-meddig az egyházi atrocitásokhoz és botrányokhoz kötődik. A beütési vonal annyira bonyolult és nevetséges, hogy úgy tűnik, kiengedi az egyházat az inkvizíció és a pedofília leplezéséből azzal, hogy lényegében azt mondja: "Az ördög késztette őket erre."

Crowe miatt érdemes megnézni a filmet. Amorthot büszkén alakítja, aki az aljas gúnyolódásokat elhalt vigyorral és frappáns válaszokkal köszönti. Amikor a démon felmordul, hogy ő Amorth legrosszabb rémálma, Amorth így válaszol: "A legrosszabb rémálmom az, hogy Franciaország megnyeri a világbajnokságot." Crowe eljátssza a karaktert a szárazon, és pont megfelelő szellemességgel. Még vonzóbb, amikor a közönség elé tárja azokat a bizonytalanságokat, amelyeket a pap rejteget. Amikor Esquibel atya elmondja Amorthnak, hogy olvasta a birtoklásról szóló cikkeit folyóiratokban, Amorth megemlíti, hogy ő is ír könyveket, majd halkan hozzáteszi: "A könyvek jók." Amikor Avery belevág Amorth utazási felvételeibe, amint autópályákon és vidéki utakon a robogóján gurul, a ruha, a nyakörv, a fedora és a napszemüveg ikonikussá teszi a karaktert: hűvösen nevetséges, nevetségesen menő.

Elképzelhető, hogy újra kell nézni a film darabjait, csak azért, hogy megízleljük Crowe teljesítményét és színésztársai ámulatba ejtő reakcióit. Crowe már olyan jó régóta, hogy úgy siklik át ezen a szerepen, mintha nem lenne mit bizonyítania (pedig a karakter igen). Hülyezik, és meglepő kis gesztusokat és reakciókat ad hozzá, hogy felélénkítse a jelenetet. De soha nem megy olyan messzire, hogy úgy tűnik, kinevetné a filmet. Amikor Amorth egy sor visszaemlékezésben felfedi saját lelki gyötrelmét, Crowe egyenesen eljátssza, szenved és vonaglik, mintha azt képzelné, hogy egy Ingmar Bergman filmben szerepel. Úgy tűnik, nagyjából azon a ponton van a karrierje, ahová Paul Newman az 1970-es évek elején érkezett, amikor a haja ezüstös lett, és elvesztette hiúságának nagy részét. Nem szenved többé a művészetéért. Még akkor is, ha egy jelenet komoly.

A „levegő” a középpontjában álló férfi fertőző energiájával pereg: Sonny Vaccaro, aki egy életre szóló üzlet megkötésére törekszik.

Természetesen a kezdetektől tudjuk, hogy a Nike korábbi vezetőjének sikerült: Michael Jordan szupersztár lett, és vitathatatlanul a játék történetének legnagyobb kosarasa. Az Air Jordan, a film címét adó cipő pedig minden idők legismertebb és legvágyottabb tornacipője lett.

Tehát hogyan lehet elmondani egy történetet, amelynek már tudjuk a kimenetelét? Ebben rejlik Ben Affleck rendezésének megtévesztő ragyogása. Ötödik filmje nagyjából az általa irányított korábbi filmekhez hasonló: „ Gone Baby Gone” , „ The Town ”, „ Argo ” (amivel a legjobb film Oscar-díját érdemelte) és a „Live By Night”. Olyan szilárd, közepes költségvetésű filmeket készít felnőtteknek, amelyek manapság túlságosan ritkák. Affleck kiemeli az erős írást, a veterán előadókat és a tiszteletreméltó kulisszák mögötti kézműveseket. Kiváló példa az operatőr választása, Martin Scorsese és Quentin Tarantino régi munkatársa , Robert Richardson .

Az „Air”-ben mindez egy rendkívül szórakoztató csomagban áll össze – egy régimódi, de egyben eleven és mindenki számára vonzó csomagban. Alex Convery éles és frappáns forgatókönyvéből dolgozva Affleck elmeséli a történetet arról, hogyan ragadta meg a Nike Jordant egy olyan cipő létrehozásával, amely nem csak neki, hanem neki való – a hamarosan ikonikussá váló személyének ábrázolása olyan formában, olyan érzést keltett bennünk, mintha mi is elérhetnénk ilyen magasságokat. Ettől valószínűleg az „Air” úgy hangzik, mint egy kétórás cipőreklám. Ez nem. Ha szereti a folyamatokról szóló filmeket, olyan emberekről, akik jók a munkájukban, akkor elbűvölheti a film számos pillanata az irodákban, konferenciatermekben és gyártó laboratóriumokban.

Az e hétköznapi tereken belüli interakciók olyan örömet okoznak az „Air”-nek, kezdve Affleck és Matt Damon újraegyesítésével . Fantasztikus érzés nézni, ahogy ezek a régi legjobb barátok, színésztársak és írótársak ismét kijátszanak egymást, provokálnak és ingerelnek, több mint negyed évszázaddal a „ Good Will Hunting után ..” Damon a főszerepben Sonny Vaccaro, a Nike toborzási szakértője, aki felismerte a fiatal észak-karolinai gárdát, mint egy nemzedékben egyszeri tehetséget, és könyörtelenül üldözte, hogy távol tartsa őt a Converse és Adidas hűvösebb márkáktól. Affleck a Nike társalapítója és korábbi vezérigazgatója, Phil Knight, a zen nyugalom és a vállalati arrogancia izgalmas keveréke. Mezítláb járkál az irodában, mégis egy Porschét vezet, amihez ragaszkodik ahhoz, hogy nem lila, hanem inkább szőlő árnyalatú. Vaccaro, mint barátja és kollégája a cég korai napjaitól fogva, az egyetlen, aki igazat tud mondani a hatalomnak, és ennek a bajtársiasságnak a vonzalma és súrlódása átlátszik rajta.

Az év 1984 (fiú, ez valaha – erről egy percben bővebben), és a Nike kosárlabda részlege az oregoni székhelyű futócipő cégen belüli utógondolat. A Nike szintén a versenytársak között szerepel. Vaccaro, egy tésztaszerű, középkorú bulldog különféle puddy színű Members Only kabátokban ( Charlese Antoinette Jones jelmeztervező pontos munkája ), tudja, hogy Jordan képes mindent megváltoztatni, és a legtöbb „levegő” abból áll, hogy mindenkit meggyőz maga körül. ennek a fogalomnak. Ide tartozik Rob Strasser marketingigazgató ( Jason Bateman , akinek a száraz, patkányos tréfás mesterkedése tökéletesen illik ehhez az anyaghoz); a játékosból lett ügyvezető Howard White (egy mulatságosan gyors beszédű Chris Tucker ); Jordan csapongó ügynöke, David Falk ( Chris Messina, aki majdnem ellopja az egész filmet egyetlen mulatságosan profán telefonos tirádával); és végül Jordan büszke és védelmező anyja, Deloris ( Viola Davis , akinek érkezése új súlyt és bölcsességet ad a filmnek). A karakterszínész, Matthew Maher , aki mindig érdekfeszítő jelenlétet hoz minden filmben, amelyben szerepel, a Nike sajátos cipőtervező gurujaként, Peter Mooreként tűnik ki.

Az „Air” egy időtlen, esélytelenebb történet durvaságról, álmokról és moxikáról. Ebben a szellemben Vaccaro gyilkos monológot mond egy döntő pillanatban, abban a reményben, hogy megkötheti a megállapodást Jordannel (akit Affleck ravaszul soha nem mutat be nekünk – ahogy kell, megfoghatatlan ötlet marad, de egy mámorító átmetszés felfedi az örökség, amelyet idővel hagy). Ennek ellenére Affleck nagyon rávilágít arra, hogy az 1980-as évek közepén járunk. Néha ennek az időszaknak a felidézése finom és mulatságos módon jelenik meg, például egy Kurt Rambisról szóló viccben, amelyen felröhögtem. (Nem kell semmit sem tudni a kosárlabdáról általában, vagy konkrétan erről a korszakról, hogy élvezhesd a filmet, de sok plusz örömet szerezhetsz, ha igen.) Affleck azonban gyakrabban törekszik arra, hogy nosztalgiát keltsen szinte faltól fali tűcseppek és fennhéjázó popkultúra utalások.Hulk Hogan , a „Hol van a marha?” ad, Reagan elnök, Diana hercegnő és még sok más nem volt elég, átmeneti eszközként véletlenszerűen bedob egy Rubik-kockát vagy egy köteg Trivial Pursuit kártyát. A '80-as évek slágereinek hangsávja pedig olyan állandó, hogy elvonja a figyelmet, a Violent Femmes-től és a Dire Straits-től kezdve Cyndi Lauperen és Chaka Khan- on át egészen a Night Ranger „Sister Christian” című művének igazán zavarba ejtő használatáig, miközben Knight egyszerűen beáll a Nike parkolójába. .

Mindazonáltal ez egy apró civakodás egy olyan filmmel kapcsolatban, amely a legtöbb esetben olyan sima és megbízható, mint Jordan egyik zümmögő, elhalványuló ugrása.

A „zsákmány” megéri költeni a pénzt, hogy a lehető legnagyobb képernyőn lássa. Alberta tágas terei fantasztikusan néznek ki, rengeteg szörnyű káosz és akció van, és Sarah Schachner lenyűgöző partitúrája megérdemli, hogy a rendelkezésre álló legnagyobb hangszórókból hallgassák. Szóval, miért dobja be a Disney a nyár közepén egy bejegyzést a Hulu népszerű „ Ragadozó ” sorozatába? Az eredeti „Predator” Arnold Schwarzenegger főszereplésével idén tölti be a 35. életévét; mi lehetne jobb módja annak, hogy ünnepeljünk, mint egy előzmény, amely jobb, mint bármelyik folytatás? A marketingcsapat egy terepnapot tarthatott volna ennek a kapcsolatnak a népszerűsítésében. Akkor miért megy ez a film, akárcsak a Disney+ „ Turning Red ” című filmje előtte, egyenesen streamelésre, egyidejű színházi jelenlét nélkül?

Vajon azért, mert Dan Trachtenberg rendező sci-fi színészének nem volt jelentős sztárja (természetesen a Predatoron kívül)? Talán azért, mert Patrick Aison forgatókönyve 1719-ben játszódik, így ez egy korabeli darab? Vagy annak köszönhető, hogy a főszereplő nő, rokonai pedig amerikai őslakosok, mindketten az ilyen filmek trendjét? Figyelembe véve a közelmúltban tervezett filmek törlését, azt hiszem, hálásnak kell lennem azért, hogy a „Prey” bárhol látható, beleértve azokat a szolgáltatásokat is, amelyekre nem fizetek elő. Ez nem azt jelenti, hogy a streaming szolgáltatások rosszak, csak azt, hogy mindig viszkető érzésem van, ha olyan filmeket ajánlok, amelyek megtekintéséhez szerződést kell kötni. Ráadásul ez megérdemel egy moziban való megjelenést.

De elkanyarodok. A „Prey” a Földön megjelenő első Predator-idegen eredettörténetének tartja magát. Ez a néhai színész , Kevin Peter Hall által az első filmben használt fegyverek enyhén retro verzióival van felszerelve . A Predator működési módja azonban ugyanaz: vadász, és zsákmánytrófeákat keres. Ez egyfajta rokonszellemet ad a lénynek Naruban ( Amber Midthunder ), egy fiatal harcosban, aki úgy szeretne vadászni, mint a törzse hímjei, köztük testvére, Taabe ( Dakota Beavers) .). Narut ugratják a srácok, akik kijelentik, hogy a vadászat férfimunka, de megtudjuk, hogy képes helytállni a harcban. Kétszer olyan kemény, mint amilyennek látszik, és háromszor figyelmesebb, mint a többiek. Naru az, aki először veszi észre, hogy egy új lény van a földjén. Talán valami köze lehet ahhoz a lángoló tűzcsíkhoz, amelyet korábban látott az égen.

Miközben egy kósza oroszlánt keres, Taabe alig tűri, hogy Naru megjelöljön. Nyugodt testvéri kapcsolat van közöttük, amelyet Midthunder és Beavers szinte azonnal létrehoznak az első jelenetekben. A kapcsolatuk tovább fokozza aggodalmainkat, amint megjelenik a valódi veszély. Naru észrevesz egy megnyúzott kígyót, és olyan nyomokat vesz fel, amelyek nem tartoznak egy ismert entitáshoz. „Valami megijesztette azt az oroszlánt” – mondja Taabe-nek, de a férfi nincs kedve ahhoz, hogy azt állítsa, hogy ez egy „szörny a gyerekkori történetekből”. Eközben a Predator felfelé halad az állatláncon, és leckét ad egy csípős farkasnak, hogyan áruljon woof jegyeket a gerincének kihúzásával. Naru végre meglátja, amikor kíméletlenül kibelezi az őt üldöző medvét és a hűséges pofáját.

A medvével készült jelenet olyan ügyesen van megtervezve, hogy az ember azt kívánja, bárcsak „Prey” ne nézte volna meg előtte alaposan a Predatort. Miközben kirángatja a medvét az üldözésből, felemeli, hogy megölje, a láthatatlan Ragadozót egy kiömlő vér festi meg. Naru látja ezt, és úgy fut, mint a pokol. Így kezdődik a szakszerűen kidolgozott üldözési jelenetek sorozata, ahol antagonistánk ismerős és új módszereket alkalmaz áldozatainak kizsigerelésére. Van egy visszahívás is az eredeti film egyik legjobb sorára: „Ha elvérzik, megölhetjük.” Bleed ez egy neonzöld vérrel, amelyet Naru egykor háborús festékként használ.

Egy másik veszélyelem (valamint friss hús a Predator-alapú mészárlásra éhes nézők számára) egy rakás szőrtelen francia prémvadász. Amikor Naru egy nyúzott bivalymezőre bukkan, imádkozik felettük, azt gondolva, hogy ez a szörny keze munkája. Hamarosan rájön, hogy az ember, az a másik gonosz ragadozó a felelős. Annak ellenére, hogy egyetértenek Naruval abban, hogy valami túlvilági dolog van odakint, a csapdák még a Predatornál is gonoszabbak. Szóval nem sajnáljuk, ha elkezdenek fröcsögni.

A „Prey” méltó utódja Ah-nuld eredetijének, annak ellenére, hogy 1719-ben nincs olyan „choppa”, amelyhez bárki eljuthat. Naru megérdemli, hogy felkerüljön a kemény karakterek listájára, akik meg tudják tartani magukat a Predator ellen. Egyformán használja az agyat és az erőt, hogy megbirkózzon minden ellenségével, és véres hatékonysággal küldje el őket. A természet is kegyetlen ellenfélnek bizonyul, de készen áll erre is. A film a komancsei nemzet portréját alkotja meg anélkül, hogy másokat tenne – ők a történet hősei, falujuk pedig hemzseg a bajtársiasságtól. Annak ellenére, hogy a film többnyire angol nyelvű (a teljes komancs nyelvű változatot is tandemben forgatták), ez nem veszélyezteti a hitetlenségünket.

A filmet még nem látó, de már „túl ébredtnek” ítélt éretlen hímek várható nyafogása ellenére a „Predator” rajongók nem fognak csalódni a „Prey”-ben. Ez egy ijesztő és szórakoztató vidámparki utazás, amely meglepően gyengéd érzelmi reakciókat is kivált. Amikor Naru végre elhallgatta a háborús kiáltást, amit korábban megtagadtak tőle, nem tudtam nem ujjongani. Kár, hogy nem tudtam megcsinálni egy ugyanolyan izgatott nézőkkel teli közönség mellett.

Kicsit túl kemény voltam a 2019-es „ Milder Mystery ”-vel kapcsolatban, vagy most jobban kedvelem Adam Sandlert ? Mindkettő igaz lehet, de ez jelzi, hogy mennyi komédia alapozható meg az időzítésen és a való világban zajló eseményeken. A Netflix-szel kötött kezdeti szerződéséből kibontakozó közepes (kedves) vígjátékok áradata után szerény két csillagot adtam a vígjátéknak/thrillernek, de most úgy gondolom, hogy megérdemel még egy félcsillagot szilárd elterelésként. Ez pedig az olyan projektek jóindulatának köszönhető, mint a „ Uncut Gems ”, „Hustle”, és még a viszonylag élvezetes „ Ver Kimetsu no Yaiba 3x1 online”.” Vagy négy éve rosszabb kedvem lehetett volna. Bármi legyen is az ok, a „Murder Mystery 2” nagyjából ugyanúgy végzi el a munkát. Ismét Sandler varázsa az erő. A viszonylag szűk futásidő (ez csak 90) ismét távol tartja a Homokembert és íróit a kacskaringós nem viccektől, amelyek a legrosszabb Happy Madison filmeket hizlalják. És még egyszer, ez egy egyszerű módja annak, hogy a valós világot egy funkció futtatókörnyezethez hangolja. Talán csak arról van szó, hogy erre nagyobb szükségünk van a 2020-as években, mint a járvány előtt? Ez egy rejtély.

Sandler Nick Spitzként, egy NYC-i rendőrként tér vissza, aki a hagyományos rendőri munkát abbahagyta, hogy feleségével, Audrey-vel ( Jennifer Aniston ) bűnmegoldóvá váljon. Az eredeti kaotikus cselekménye után privát faszokká váltak, akik térítés ellenében bűnözőket oldanak meg, de azért küzdenek, hogy sikerüljön. Egy gyors kivágású prológus, amely valószínűnek (és könyörületesen) csonkanak tűnik, miután lefogadom, hogy néhány tesztvetítés félresikerült. A „Murder Mystery 2” igazi cselekménye akkor kezdődik, amikor az eredeti film maharadzsája (Adeel Akhtar )) meghívja egy pazar esküvőre egy trópusi helyen. Audrey és Nick ismét kívülállók egy idegen országban, ami megenged egy kis "csúnya amerikaiak" humort, de leginkább az osztályhumor regisztereibe játszik. Mindkét filmben küszködnek a megélhetésért, és olyan emberek világába kerülnek, akik dollármilliókkal dobálóznak úgy, mintha a pénznek semmi értelme. Ezek a furfangos Poirot-ok nem pusztán azért kívülállók, mert egy másik országból származnak, hanem abból, ami a gazdagság és a kiváltság szempontjából egy másik világnak tűnik, és Aniston és Sandler jól tudják ezt közvetíteni anélkül, hogy az olcsó humorra hagyatkoznának.

A maharadzsa esküvője hatalmas esemény, csoportos tánccal és egy elefánton való belépéssel kiegészítve. Ilyenkor elfajulnak a dolgok. Végül a vőlegény testőre lesz a pachydermán, akit egy sajtkéssel ölnek meg az oldalán, de ez valóban elvonja a maharadzsa figyelmét, hogy elrabolják. Ki áll mögötte? A „Murder Mystery 2” egy gyanúsított csoportot hoz létre, amelyben a menyasszony, Claudette ( Melanie Laurent ), egy Sekou grófnő ( Jodie Turner-Smith ) nevű volt barátnő, Saira ( Kuhoo Verma ), egy Francisco ( Enrique ) nevű üzleti partner. Arce ) és egy Miller nevű ász tárgyaló ( Mark Strong), de ez nem „Üveghagyma”. A cím rejtélye csupán egy módja annak, hogy a cselekményt egyik ostoba díszletből a másikba vigyük, és mielőtt észrevennék, a Spitzek váltságdíjjal és az Eiffel-toronyban lógva száguldoznak Párizs utcáin.

Aniston jobban jár, mint valaha, és itt nincs elég tennivalója ahhoz, hogy megfeleljen komikusi tehetségének, de Sandlerrel könnyed kémiája van, ami tagadhatatlan. Ők ketten évek óta együtt játszanak, és az újrajátszásukban van egy erőltetett dinamika, ami elengedhetetlen egy ilyen filmhez. Soha nem szabad megkérdőjeleznünk, hogy a főszereplők kedvelik-e egymást egy olyan filmben, mint a „Murder Mystery 2”, és ez itt soha nem történik meg. Nem éppen mély karakterek – az emberrablás cselekményének nyaktörő jellege ezt nem teszi lehetővé –, de Aniston és Sandler sokat tesz azzal, hogy csupán arra hagyatkoznak, hogy előadóként ismerik egymást. A mellékszereplők pedig tudják, hogyan kerüljenek ki az útjukból.

A rendező , Jeremy Garelick csak úgy lenyomja a vonatot a vágányon, és nem éppen az akcióban jeleskedik – egy verekedős jelenet egy száguldó furgonban különösen nehézkes a koreográfia szempontjából. Mégis, van mit mondani ennek a vállalkozásnak a hatékonyságáról, különösen a játékfilmek és a televíziózás korszakában. A „Murder Mystery 2”-nek nincsenek magasztosabb céljai, mint az eldobható szórakoztatás 90 percig, és elvégzi a munkát. A fenébe, lehet, hogy a végén még jobban meg fogom szeretni, mire elkészítenek egy harmadikat. 

A gyász nem pusztán érzelmi betegség. Ez ugyanúgy fizikai megnyilvánulás, mint bármi. Megrendítheti emberi testünket, elboríthatja érzékszerveinket, hogy térdig roskadjon, és megdermedjen a nyakunk, a hátunk és a fejünk, mintha egy elszigetelt áldozat körvonalai lennénk Pompeii romjai között. A gyász olyan pillanat, amely várhatóan hamarosan elmúlik. És mégis, a gyász olyan visszhangokat küld, amelyek átszelik az időt és a teret, az egyéneket és a közösségeket. Mark Pellington rendező arra törekszik, hogy értelmet adjon a fogyatékosságnak hangulatos előadási dokumentumfilmjében.

A „The Severing” egy merengő, meditatív elérése a katarzishoz, amelyet táncon keresztül fordítanak le. Wim Wenders „ Pina ” című művéből merítve ihletet , Pellington nem támaszkodik prototipikus narratívára. A filmes absztrakt mozgásra támaszkodik, Nina McNeely koreográfiájára , hogy életet adjon a történetnek.

Egy nővel kezdődik, aki a többi előadóhoz hasonlóan testfestékkel – szürkével, feketével és pirossal – van bevonva, és földporos textúrájú. A részecskék láthatók a lumineszcens fény izzása alatt, amint leszállnak a hajáról, miközben a tincsei hullanak és remegnek csavarodó izmaitól. Időnként fizikai beszélgetésben van más táncosokkal, gyakran férfiakkal, akik fizikailag extrém és heves fizikai kitörésekkel árasztják el, míg ő maga el nem borítja őket. Nyílt, koszos és koszos szobákban vonaglik, rángatózik, összerándul, kúszik és óvódik. Néha az árnyéka annyit mond, mint az elsődleges forrása; más pontokon a talajhoz való közelsége a kijelentés.

Nincs sok párbeszéd: az alcímek és a fejezetcímek, mint például a „Gyere vissza az életbe” (visszatükrözve), megadják a hangulatot és az irányelvet. Más, szinte megkülönböztethetetlen háttérelbeszélés övezi a film sivár hangzásvilágát. Az egyetlen nyilvánvaló beszédhang akkor érkezik, amikor a narrátor megkérdezi: „Hová menjek, ha elalszom?” Ezután elemzi a különbséget az idő érzékelése és az ellenőrzése között. A film természetesen nem csak egy médium, amely felismeri az időt. Lehetővé teszi, hogy az elfogó parancsot adjon neki. Pellington azon kísérlete, hogy megragadja a mögötte lévő szépséget – amelyhez Evelin Van Rei magával ragadó operatőri munkája és Sergio Pinheiro okos vágása is hozzájárult  – az a vágy, hogy az irányításon keresztül dolgozzon, hogy egy moly eljusson egy csillaghoz.   

Néha a film olyan síkossággal mozoghat, amely megcáfolja a tervezett koptató hatását: A kamera elegánsan lebeg, követve egy másik nőt, amint az kecsesen az objektív felé hajlik. Pellington és Rei a közeli felvételeket választják, amelyek véletlenül csillogóvá teszik a jelenetet. A film lényegében egy hasonló közeli felvétellel zárul, ami egy nagyon aranyos jegyzetben zárja le az eljárást.

Míg a „The Severing” sajtójegyzetei révén a gyásztanulmányként adja el magát, mást is találtam az előadásban. Látva, ahogy a testek eltolják egymást, a férfiak átkúsznak a nőkön, a nők bosszút állnak a férfiakon, és a sikolyok, amelyek mintha az éterbe szöknének – eszembe jutott, milyenek és milyenek a mérgező kapcsolatok, milyen intenzitású az elszakadás szükségessége szörnyű hatás úgy néz ki, mint amikor formát ölt. Még Peter Adams zenéje is terjengős, virágos hangulatot ölt, ahol a dübörgő szintetizátorok helyét fényes hangszerelések veszik át. Úgy tűnik, hogy a boldogság és a fájdalom közötti disszonancia burkolja ezeket a táncosokat.  

Lehet, hogy Pellington nem ezt az értelmezést akarta egy filmben, amely állítólag a „félelemről, újracsatlakozásról és elszigeteltségről” szól, a sajtó jegyzetei szerint. Ennek ellenére ugyanolyan könnyen alkalmazkodhattak más szorongásokhoz. Még akkor is, ha a tisztább elemek túlságosan közel vezetik a nézőt egy didaktikus érzelemhez, a változatos közönségreakció lehetősége az, ami üdvözlendő plaszticitást ad a „The Severing”-nek, lehetőséget arra, hogy a tánc mozgásán keresztül szemlélje azokat a gondolatokat, amelyeket túl nehéz megfogalmazni. szavakba.

A "Chantilly Bridge" folytatja az 1993-as "Chantilly Lace" című film szereplőinek történetét, amely egy baráti társaságról szól, akik háromszor gyűlnek össze a Colorado Rockies egyik kabinjában. Az első alkalom egy meglepetés 40. születésnapi bulija volt Natalie  -nak ( JoBeth Williams ), az utolsó pedig az ő megemlékezése volt, a videós búcsúval, amelyet azért rögzített, hogy elmondja barátainak, mennyire sokat jelentenek neki. Rendező Linda YellenA filmet mindössze nyolc nap alatt forgatták le, egy 40 oldalas vázlat alapján, nem pedig egy teljes forgatókönyv alapján, hogy a nőkből álló szereplők együtt dolgozhassanak karaktereik fejlesztésén. Ritka volt akkoriban, mint most, hogy csak női szereplők szerepeljenek (kivéve egy pizzafutár rövid megjelenését, aki az egyik nővel ágyba kerül). Öröm volt és most is öröm látni egy olyan filmet, amely olyan karaktereket és történeteket ad a színésznőknek, amelyek nem tükrözik az életüket, és nem függnek azoktól. 

Mivel a középkor előtt álltak, láttuk, hogy küzdenek a konfliktusok megoldásáért, de soha nem kételkedtek az egymáshoz fűződő kapcsolatuk erősségében vagy a barátságuknak tulajdonított értékben. Nyilvánvalóan otthonosabban érezték magukat egymással, mint bárki mással az életükben. És nyilvánvaló volt, hogy a film elkészítésében közreműködő színésznők élvezték a lehetőséget, hogy bonyolultabb és hitelesebb karaktereket alkossanak, mint amit Hollywoodban kínáltak nekik. 

Harminc évvel később Yellen újra összeállította a szereplőgárdát, még Williamst is, aki archív felvételeken tér vissza, és elgondolkodtató módon a túlvilágról is mesél. Ő az, aki elmondja nekünk a folytatás címének okát, egy idézettel Thornton Wildertől : "Van az élők földje és a holtak országa. A híd a szerelem, az egyetlen túlélés, az egyetlen értelme ." Van egy másik Natalie (Naaji Sky Adzimah). Anyja ( Hannah szerepében Helen Slater ) terhes volt az első filmben, lányát pedig a meghalt barátról nevezte el. A szereplőgárda másik tagja Patricia Richardsonmint Shelly, az eredeti Natalie nővére. Anyjuk, Ruth színésznő meghalt, és a barátok összegyűltek, hogy segítsenek neki átrendezni a házat, és előkészíteni az eladásra.

Ez lehetőséget ad a barátoknak, hogy rendezzék a régi emlékeket, és újítsák meg kapcsolatukat egy olyan időszakban, amikor már nem érzik, hogy "végtelen lehetőségeik" vannak, és mérlegelniük kell döntéseik következményeit és csalódásaik visszhangját. A fák őszi színei, Judy Collins dalai és e fiatalabb arcok vibrálása az első film archív pillanataiban a szépség vigasztalásának elégikus hangvételét és témáját visszhangozza, ahogy az élet elhomályosul és hanyatlik. 

Maggie ( Talia Shire ) még mindig apáca, de más rendre és szakterületre váltott. Hospice betegekkel és családtagjaikkal fog dolgozni. Rheza ( Lindsay Crouse ), akinek legnagyobb megelégedése az állatokkal való munka, egy állatkertben fejezi be pályafutását. Val ( Jill Eikenberry ) túlélte a rákot, és a húgával, Lizzel ( Ally Sheedy ) való kapcsolatával küzd. Hannah és lánya nehéz beszélgetéseket folytatnak arról, hogy Hannának kellett-e többet akarnia annál, mint hogy a családja legyen élete középpontjában, és hogy a fiatal Natalie-nak ilyen gyorsan szakítania kellene a barátjával, mert soha nem akar gyereket.

Furcsa módon a film két legélénkebb karaktere az, akit soha nem látunk. Miközben Ruth holmiját válogatják és összecsomagolják, bizonyos ruháiból és berendezési tárgyaiból, valamint a szereplők róla mesélt történetekből megtudhatjuk, hogy mi van vele. Azok, akik emlékeznek az első filmre, emlékeznek rá, hogy Williamssel kezdődik, ahogy Natalie telefonál az anyjával. Bár a beszélgetésnek csak az egyik oldalát halljuk, úgy érezzük, Ruth teátrális, gyakran kritikus és a külsőségek miatt aggódik. Ennek a filmnek az egyik fénypontja, hogy hallom, ahogy Hannah leírja, hogy Ruth rendezte egy középiskolai darabban.

És akkor ott van a fiatal Natalie apja, aki feleségül vette Hannah-t, és egykor az első film Natalie-jával volt feleségül. Mindkét filmben azt az érzést kapjuk, hogy nehéz és igényes a leírása alapján. 

A szereplők többet beszélnek arról, mennyire odaadóak egymásnak, mint amennyit megmutatnak. Jól érzik magukat, ha őszinték egymással arról, hogy mi zavarja őket, és ami még meggyőzőbb, feltétel nélkül támogatják őket. De jobban meg tudják idézni a régi barátok tréfáit és könnyed nevetését, mint az őszinte kapcsolat intimitását.   

Jelenleg a mozikban játszható, és VOD-on is elérhető.