REPUBLICA FRISS HÍREK

A dinamikus akciófilm-készítés nagy erőt fejt ki az egyébként darabos vietnami beat-em-up „Furies”-ban, amely alig kapcsolódik a 2019-es harcművészeti kiütéses „Furie”-hez. A „Furies” nem követi a „Furie” sztárját, Veronica Ngo-t vagy karakterét. Ehelyett Ngo beáll a kamera mögé a „Furies” című filmben, ami a rendezői debütálása, és egyfajta háttértörténetként szolgál Thanh Hoa „Furie” jelenetlopó rosszfiújához, Thanh Soihoz.

A „Furies” (eredeti címe „Thanh Soi”) nem Thanh-ra összpontosít, hanem a film igazi sztárjának, Bi-nek (Dong Anh Quynh) társszereplővé teszi, aki egy jogosan feldühödött árva, aki valamilyen gyermekkori traumán megy keresztül. Szadista embercsempészek egy csoportjával szembeszáll egy hármas éber hármassal, köztük Thanh-val (itt Toc Tien), Hongdal (Rima Thanh Vy) és vezetőjükkel, Jacqueline-nal (Ngo Thanh Van).

A „Furies” elsápad a viszonylag magabiztos „Furie”-hoz képest minden olyan jelenetben, ahol a szereplőknek a meghajtó erőszakon túl is viszonyulniuk kell egymáshoz. Samuel Kefi Abrikh akciórendező, aki a „Furie” harci jeleneteit is koreografálta, még mindig számos kiemelkedő pillanatot mutat be, de az együttes szereplői nem olyan emlékezetesek, ha nem tépik szét a képernyőt.

Egy nyugtalanító bevezető jelenetben egy fiatal Bi (Thuy Linh) elveszti anyját, egy prostituált, miután egy részeg John mindkét nőre rátámad, és véletlenül felgyújtja a kis lakóhajójukat. Tizenöt évvel később Bi-t Jacqueline és két tanítványa, Hong és Thanh megmenti és örökbe fogadja. Mind a négy nőt megerőszakolták vagy szexuálisan bántalmazták, és a filmesek érdeme, hogy néhány jelenet közvetlenül foglalkozik ezzel az intenzív kötődéssel. Az egyik pörgős tekercsre kész fénypontban Bi egy különösen brutális veszekedésből tér vissza, az anyja emlékei által kiváltott, kontrollálhatatlan harc-vagy menekülés reakcióval. Nem tudja abbahagyni az ütéseket, és abban a pillanatban még Thanh sem tudja megállítani anélkül, hogy ne dobjon vissza.

A „Furies” gonosztevői közel sem olyan emlékezetesek. Thuan Nguyen figyelemre méltó teljesítményt nyújt a állítólag démoni striciként, Mad Dog Haiként, és emberkereskedő társai csak annyira fenyegetőek, mint az általuk veszélyeztetett nők. Egy utolsó pillanatban bekövetkezett fordulat további narratív ráncot ad Jacqueline és lányai Hai-val való viszályába, de kölcsönös ellentétük nem sokkal bonyolultabb, mint elsőre tűnik. Ő egy erőszakos nyálkagolyó, és ők bosszúálló angyalok. Verekednek, és ezt néha nagyon jó nézni.

Abrikh koreográfiája, bár következetesen szilárd, csak néha van ugyanaz a zseniális szikra, amely a „Furie”-ban is fellobbant. Ngo kamerája illeszkedik előadói rázkódó tempójához és vad mozdulataihoz, de néhány akciójelenet úgy néz ki, mint egy kéz-me-down, tekintve, hogy mennyire hasonlítanak a „Furie” beatdownjaira. Ennek ellenére, amikor a pillanat valóban zökkenőmentes és borzalmas adrenalincsúcsot kíván, Abrikh és Ngo kitörölhetetlenül göcsörtös képet készít. Tudod, hogy a harc akkor lesz jó, ha az egyik támadó kicsavarja a nyakából a véres fecskendőt.

Abrikh és Ngo harcainak is van ritmusa és zsigeri hatása, még akkor is, ha maguk a karakterek nem annyira érdekesek, mint a verekedésük. A bevont, vizuális effektusokra támaszkodó motoros üldözés játékos hangszerelésének köszönhetően teljesíti a gonzo alapfeltételeit. A párbeszédre összpontosító jelenetek nem rendelkeznek ugyanilyen fajta adok-kapok csattanóssággal, ami a film viszonylag határozatlan melodramatikus lendületéről árulkodik.

Ngo és öt forgatókönyvírója (nem számítva a forgatókönyv-tanácsadót, Nguyen Ngoc Lamot) úgy tűnik, a legkényelmesebb, ha a karaktereik a legalacsonyabb szinten vannak. Van néhány jelenet, ahol Bi, Thanh és Hong megpróbálja vigasztalni vagy szolidaritást tanúsítani egymással, miután befejezték a seggfejet. Sajnos beszédes, hogy Hong, a négy főszereplő közül a legkedvesebb és legnőiesebb szereplő, a legkevésbé fejlett társszereplő. Megcsinálja Bi sminkjét, megformázza a ruháit, és még néhány jó szúrást is kap, amikor eljön az ideje, hogy ledobja, de soha nem olyan lenyűgöző, mint Thanh és Bi, egy szilárd páros, ingatag harmadik kerékkel. Még Bi karakterét sem fejlesztik olyan türelmesen, mint Ngoét a „Furie”-ban, így soha nem tudjuk meg igazán, mire gondol, amikor korán bevallja, hogy élvezi az erőszaktevők megölését: „Tetszett. És féltem magamtól... hogy tetszik... megfulladhatok a saját sötétségemben.”

Szerencsére van egy jelentős csúnya sorozat, amely végigfut a „Furies”-ban, és ez nem korlátozódik a film antagonistáira. Amikor Bi először lép Thanh-val, megpróbálja kiharapni a törzsét. És amikor a fent említett PTSD flashback alatt lezárják a kürtöket, falnak csapódnak, és tönkreteszik a fürdőszobát. Még Hong is megmenti Bi-t egy leendő erőszakolótól azzal, hogy oldalba kést. Ha ez a film jobban érezné magát a pépes anyaggal, akkor Paul Verhoeven film lenne. A „Furies” többi része nem olyan emlékezetes, de van itt elég jó dolog, hogy igazoljak egy újabb, homályosan kapcsolódó spinoffot.

Bette Davis híres párnája volt, amelyre az „öregség nem helye a nővéreknek” mondást tűzték. Ez a közhely áll a középpontjában Paul Weitz író/rendező „Moving On” című filmjében, amelyben Jane Fonda és Lily Tomlin alakítja Claire-t és Evelyn-t, két idősödő, elhidegült barátot, akik évtizedek után újra összejöttek közös barátjuk, Joyce temetésén.

A film cselekmény szempontjából komikus elemekkel tarkított melodráma Claire azon vágyáról szól, hogy bosszút álljon a Joyce férje, Howard (Malcolm McDowell) által közel 50 évvel korábban elkövetett szexuális zaklatásért, amely teljesen kisiklott az életét. Az esemény nyomán eltávolodott Joyce-tól és Evelyntől, elhagyta szerető férjét, Ralph-ot (Richard Roundtree, aki ugyanolyan bájos és szelíd, mint valaha), és élete nagy részét a trauma megkövülten töltötte.

Ez a film azonban nem kizárólag a cselekménymechanikája miatt létezik. Tiszta szemmel vizsgálja meg az öregedés súlyosbodó súlyát, azt, hogy életedet, reményeidet, emlékeidet és sajnálkozásaidat magaddal cipeled, bárhová mész. A „Moving Onés” cím nem csak azt jelenti, hogy túllépj a múlton, hanem azt is, hogy folytasd előre az életben, még akkor is, ha a múlt veled marad.

Akárcsak az általuk alakított karakterek, Fonda és Tomlin évtizedeket töltött mély barátság kiépítésével, miközben együtt szerepeltek olyan projektekben, mint a „9 to 5” és a „Grace and Frankie”, és kémiájuk olyan fényesen ragyog, mint valaha. Ők azonban nem csak saját személyiségük változatait játsszák.

Claire olyan nő, aki soha nem találta meg a saját erejét, mindig másokért élt, miután a támadás „némává tette”. Fonda komor merevséggel játssza el, szorosan tartja a testét, mintha érzelmek ezrei lennének egy pillanatra attól, hogy kiszabaduljanak a köréjük épített ketrecből. Ahogy újra kapcsolatba kerül Evelynnel, Ralph-pal és még Howarddal is, Claire régóta elfojtott humora, érzékisége és forrongó haragja, amit oly sokáig rejtegetett, felszínre kerülnek.

Tomlin a nyugalmazott zenész Evelynt alakítja a maga védjegyének számító holtpontos érzékenységgel, aki úgy tűnik, mindig kimondja, mit gondol és mit érez az adott pillanatban, nem fél attól, hogy gátlástalanul önmaga legyen. Ennek ellenére Evelyn egy nő, akinek titkai, sebzett büszkeségei vannak, és szenvedélye a zene – és a nők – iránt, aminek már rég nem volt kijárata. Titokban olyan szabadon élhet, amennyire csak tud, egy segítő intézmény önálló részlegében. Joyce halála és Claire visszatérése az életébe, Evelynben összetett érzelmek halmazát hívják elő, ezt a váltást Tomlin finom precizitással játszotta el, akinek szeme meghazudtolja sztoikus arcát és monoton hangját.

Miközben Evelyn segít Claire-nek kitalálni, hogyan álljon bosszút, ketten megbeszélik az eset közvetlen következményeit. Claire nem jelentette be a rendőrségen, mert „nem hittek volna nekem”. Egyrészt itt az orrban folyik a párbeszéd, de ha visszatekintünk 50 évre, majd újra előre, és látjuk, hogy ebben az országban nem sokat változott a nők testi autonómiája és az erőszaktevők üldözése, talán a orr csak az igazság lesz.

Amikor Claire végre békét mond Howardnak, grafikusan leírja a támadást, minden szörnyű részletre felidézve, mintha tegnap történt volna, és nem közel 50 évvel ezelőtt, mert számára az idő ezen a napon állt meg. Fonda ezt a monológot ugyanolyan erővel és meggyőződéssel adja elő, mint bármelyik karrierje során, és nemcsak Claire traumájának súlyát veszi figyelembe, hanem mindazokat az összetett traumákat, amelyeket a színésznő nőként tapasztalt ebben az országban az elmúlt fél évszázadban.

McDowell a maga részéről Howardot olyan kiváltságos emberként alakítja, aki éppen annyi munkát végzett önmagán, hogy „megváltozott embernek” tekintse magát, de valójában csak önmagáért és saját érdekében ért el gyógyulást, nem pedig azokért, akiket megbántott. Howard kevésbé karakter, mint emblémája mindazon hatalmas embereknek, akik újra és újra megússzák. Ez a forgatókönyv szintjén kudarcnak tekinthető, de azt is lehetővé teszi Howard számára, hogy a végén megkapja az igazságos desszertjeit anélkül, hogy a közönség rosszul érezné magát az általa hátrahagyott család miatt.

Míg a melodrámáról a maró komédiára való tónusváltások nem mindig működnek, Fonda és Tomlin olyan jók, mint valaha, és a „Moving On” bizonyítja, hogy a „Moving On” erőteljesen ráveti magát az öregedéshez szükséges erőre – szellemileg, fizikailag és gazdaságilag. . Erő kell ahhoz, hogy együtt élj önmagaddal és a traumáiddal, hogy befogadd az örömeidet, és mindennek ellenére ott legyél azok mellett, akikre törődsz.

Árva egy horror celluloid, amely nagyon hasonló Mr. Brooks befelé vonalvezetését a néző elméjében maradó jelenléttel együtt egy esetben látták. A celluloid által lázasan sejtető cédulafoglalkozáshoz hasonlóan az orosz árvának, Eszternek (Isabelle Fuhrman) is van földalattija. Azt sejtettem, hogy az ölelkező-rabló korábban mindig leült, hogy találkozzon a filmmel, de a moziban, hogy ezt a csendet miként közelítik meg, az egész futási idő alatt a leginkább érdekelni fogja. Még akkor is, ha úgy ítéled meg az ölelő-rablót manus előtt, mint én, Árva mindegy, hogy egy szilárd horrorfilm. Ami ezt teszi, az a párbeszéd, a forgatókönyv és a színészi alakítás az elsődleges szereplők mellett. Ellentétben a szánalmassal 13. péntek (2009) , Árva egy horrorfilm ügyes párbeszéd mellett, amely időnként nem rosszra emelkedik (általában a konfrontáció határain belül).

A két szülői főszereplő, Kate Coleman (Vera Farmiga) és John Coleman (Peter Sarsgaard) kémiája deportálja a filmet a nem horror részek alatt. Életük nem tökéletes, és harci nehézségeik sem puszta mesterkéltség. Egy rögtönzött, legkedvesebb készítés a konyhában szenvedélyes egy perc, egy szerelmes perc vígjátékban kettejük egymás mellett. A pillanatok hasonlóak ezekhez Árva több, mint a kerti fajta horrorfilmje.

Az egyik legjobb aspektusa Árva A forgatókönyv a Coleman szinte teljesen ügyes lányát, Maxet (Aryana Engineer) tartalmazza, aki hallókészülékeket használ és szájról olvasó. Jelenléte miatt azon a helyszínen alapvető és megható pillanatok a moziban, benne a kifejlett képességeivel. A megható pillanatok Max és a szülői egységei között vannak, ahol a film hangja kivág, és az összes, amelyik az adott helyen van, a beszélgetésük feliratai a borítón. Ez teljesen váratlan volt, mivel a celluloid promóciós anyagaiban a titkosítás még utalt is rá. Leginkább a negyedik dimenzió. Szinte az utóbbi időszakban hagyománnyá vált, hogy a filmstúdiók minden olyan alapvető cselekményt elárulnak, amely egy film korábbi közönségére szól, minden színházba lépéskor, hogy a celluloid érzését keltsék. Egyszer (a közelmúltban) roppant szép volt kellemesen meglepve élni, és ezt a meglepetést befelé is felhasználni a film jobbítására, nem pedig a mozis előétel díszítésére. A kulcsfontosságú pillanatok a fokozódó feszültség sorozataiban vannak; tedd apróra egyedivé őket, de nagyon kevés horror vagy drámai film erre a célra, használja a jelmédiumot. Igazán szórakoztató volt látni, ahogy Max beavatkozik, valamint a passzívból egy több mint aktív játékossá vált a moziban. Egyike lesz azoknak az embereknek, akikért a néző felkapaszkodhat, a rulettjátékok során fifty-fifty. "Játszani akar?" "Talán később."

Fuhrman valóban jó működést biztosít Eszternek. Kétlem, hogy Dakota Fanning vagy Anna Paquin, amikor az ő korában voltak, sokat tudott volna javítani. Amikor a jelenet arra szólítja fel Esthert, hogy legyen heves vagy megfélemlítő, Fuhrman éppolyan jól esik. Finom dolgokként a szemei ​​között is megcsinál, olyan kifejezéseket, amik átsuhannak az emberi arcán, de soha nem mondják ki hangosan, és amelyeket nem lehetett beleírni a forgatókönyvbe, amellett, hogy meg kell tennie, amellett, hogy el kellett volna húzni. Ha így lenne, akkor David Leslie Johnson forgatókönyvírót még jobban meg kellene becsülni. Akárhogy is, azzal a csörömpölő, enyhe orosz akcentussal, amiben beszél, és amit ebbe a filmbe hoz, pompás színészi karriert tudhat maga mögött.

Arról, hogy mi mást hoznak a borítóba Árva , minden bizonnyal az egyik „érdekesebb” pillanata a Lolita-szerű jelenet volt. Egyre kényelmetlenebb volt a pikettezés, és egy horrorfilmnél is tökéletes volt, minden darab fejszefejezés, amit Bruno mondana: „az 1980-as évek”. A fent említett jelenet az „igazi kényelmetlen férfiak számára jelenetet” juttatta eszembe belülről Keménycukor bár ez a jelenet éppolyan jól nem tartja fenn a vergődés összetevőjét, mint az utóbbi. A jelenet érdemére legyen mondva, hogy a legelítélendőbb elhatározás valóban lehetségesnek tűnik, mert John berúgott (azt hiszem, Esther bekábította), valamint rossz dolgok történnek, amikor az emberek ezen a földön vannak. Ezenkívül a jelenet részben John részeg, ferde perspektíváján keresztül van felvéve, innen a néző tudja, hogy a főszereplő nem lát tisztán a múltbeli implikációk mellett, és tisztán gondolkodik sem.

Egyes felvételek szintén befelé haladnak Árva magasabb gyártási értékkel és operatőri munkával rendelkeznek, mint a befelé forduló horrorfilmek. Két példa kiemelkedik: az egyik Coleman lakóháza éjszaka, minden világítás villanása közben, a másik pedig egy befagyott tónál való végső összecsapáskor, sötétedéskor. Remek kameraelhelyezés, és készülj fel mindkét alkalommal, különösen az utóbbi alkalmával.

Árva semmiképpen sem tökéletes horror celluloid, ráadásul az ősz is áldozatul esik a biztos horror csapdáknak. Az egyik: korábban a főszereplő utolsó fizikai akciót hajt végre az antagonista ellen, az a halandó egysorost mond. Miért nem tartod, hogy valaki kimondja az akció közben, utána vagy egyáltalán nem. Nem került be a jelenetbe Árva egyáltalán jobb. Eszembe jutott az a jelenet a megállóban Faj : „Hadd mozogjon” szóval egy gránátvető Sil fejére. Az egyik főszereplő, John édesanyja, Barbara nagymama (Rosemary Dunsmore) egy pillanatra sikoltozó butaság is tapasztalható a kórházban. Nyolc tizenkét hónapos (egy másik mérőszám) Max azt kéri, hogy menjen együtt fürödni John anyjával, aki hagyja, hogy utazzon, magányosan, a kórház folyosóin sétálva maga mellett. Ezt egyetlen gyám sem engedné meg mindig. Mi van, ha Maxot elragadják az eltűnttel? Mi van, ha valahol megvadul és megsérül? Szerencsétlen cselekménybeillesztés.

Jaume Collet-Serra Árva egy horror mozi, amely sokkal erősebb színészi játékkal és drámai pillanatokkal rendelkezik, mint általában a növényi befelé irányuló horrorfilmekben. Ebben a magányos tekintetben Árva együtt A gazda tartsa a közös földet. Ezt szeretném mondani Árva elsősorban a karakterek, a horror 2d, de ez nem egészen így van, a horror/slasher szempontok is elsőbbséget élveznek a VII. Ahelyett, hogy megmutatná Eszternek, hogy a kezdőrúgásból elkövetett néhány „incidenst”, a Pofák Lehetséges, hogy a megközelítést javították, és hosszabb ideig tartotta távol a közönséget a találgatásoktól.

Értékelés: 8 /10

A jogfosztott, disztróf próbaidőszak életre kelt Michael Isle of Man-ben. Közellenség . A bűnözőket elhelyezték Közellenség reprezentációk, mint befelé Amerikai gengszter , a funkciómodellek közül az elektromos áram huligánok mellett „ gangszták ” tekintetben ilyen nagyra becsülik. filmes szempontból, Közellenség nem tökéletes, de áthatja fényes pillanatok. Közellenség Befelé előkészíti a századot lezáró korai szülőt az Egyesült Államokba, valamint szinte egy romantikát is tartalmaz, amely a mozi főszereplői között alakul ki.

A termékeny banki konszernrabló, John Dillinger (Johnny Depp), a showtime ugyanennyire sikeres, professzionális banki konszern rabló, aki ikon-nagyságúra is csodálta a közvéleményt (soha nem lop azoktól az emberektől, akik az általa kirabolt bankokban betétet helyeznek el). Ő egy kvázi Robin Hood, egy szánalmas ember, aki a gazdagoktól lop a biztosítottakkal együtt, hogy gazdaggá tegye magát. Sokan csodálják ezt benne, különösen a negyedik dimenzió időszakának gazdasági nehézségei alatt. Inkább gazembernek, tövisnek a felső aranysarkában, mint gyilkos bűnözőnek személyesítik meg papíron és rádióban is, pedig pontosan az.

Hamarosan megváltozik a bűnügyi klíma Dillinger nézetének szélhámosai számára. A bűnözés szervezettté válik, és a szervezet hosszú élettartamát fenyegetik Dillinger másodlagos bohóckodásai, a testvérei mellett. Minél több arcidőt gyűjtenek a befelé irányuló újságokra, az FBI annál inkább felfelé fordítja a pályát, ami rossz a szervezett bűnözés üzleti szervezeteinek. Dillinger egy alvilági kereszteződésben találja magát, egy számkivetett bűnöző és egy dinoszaurusz, akit a szertartástalan kihalásnak ítélnek. Dillinger társai is hamarosan kétségbeesnek, és elkezdik megszegni ain szabályaikat, ami további visszautasításhoz vezet.

7 alapvető pillanat van befelé Közellenség a márka ezt a filmet érdemes megnézni. A kezdet Dillinger elfogása, amikor éjszaka elkísérik a rendőrség mellett a rajongói mellett az utcán. Kezdetben rájuk néz, majd mosolyog is, majd megbilincselt kezek mellett egy durván mozgó gerincet ad nekik. Ő a hősük, egy híresség, egy csodált híresség. Arccal felfelé futsz bele.

A 2d a híres szökése a börtönből egy műfegyverrel, valamint személye bravúrja. A szökést követően egy feszült másodperc és egy végsóhaj következik, ahol a negyedik dimenzió lelassul neki és a másik szököttnek is, de megőrzik a hidegvérüket és elmenekülnek.

A harmadik az, amikor Melvin Purvis (Christian Bale) FBI-ügynök bekopogtat egy lakás ajtaján, amelyről borravalót kapott. Odabent egy férfi vacsorázik egy nővel. A férfi engedelmeskedik, és kérésre felajánlja a személyazonosító okmányt. Ez az oka annak, hogy az idézetére, Baby Face Nelsonra (Stephen Graham) és társaira még ma is annyira emlékeznek. Nelson egy teljesen nyugodt darab, akit Purvis ügynök gyors ütemben kérdőjelezett meg, meglepetésre és feszült helyzetekre szokott.

A negyedidőszak ismét Nelsont érinti. Szökésben van, és egy fekete úton találja magát. Egy szövetségi ügynök hátulról közelít hozzá egy gép belsejébe. Megfordul, hogy a gépkocsi utasa ne tudjon szembetalálni az arcát, nem tesz hirtelen mozdulatokat, felfelé hátrál a sofőr ablakához fordul, valamint tüzet. Aztán James Cagneyt közvetítve minden pillanatban megkérdezi a zsarut, aki lelövi: „Hol akarod gyakorolni? Magas vagy alacsony?”

Az 5.-ben Dillinger squashja, Billie Frechette (Marion Cotillard) szerepel. Marion megmutatja, miért lett Oscar-díjas a rendőrségi integrációs jelenete során. Grafémája bátran dörömböl a fizikai bántalmazás arcán, amellyel korábban valószínűleg soha nem találkozott.

A hatodik az a fajta jelenet, amivel már ritkán találkozunk egy hollywoodi celluloidban. Dillingert ugyanúgy érinti, mint a Clark Gable gengszterfilmet Manhattani melodráma a Biograph Movie Theatre-ben. Ami egy képben grafémaként kezdődik, egy képet nézegetve, az Dillinger rövid belső vizsgáztatásává fajul, hivatása, miben éli meg magát, és a végzet, amely testvéreivel együtt körülveszi. Mivel Gable grafémája már közel áll a végrehajtáshoz, búcsút mondva a bebörtönzötteknek, akik szinte minden életében haldoklik, a fényképezőgép módszeresen befelé közelít Dillinger szemébe. Amit a létről mondanak el a képernyőn, ami történik, az alapvetően kapcsolódik hozzá Mann-nal, és időt vesz igénybe, hogy a közönség megismerje.

A hetedik, amikor a Ten Most Wanted listán szereplő Dillinger, valószínűleg az Egyesült Államokban a legtöbbet vadászott ember, megvan a merészsége, hogy besétál egy rendőrőrsre anélkül, hogy elkendőzné a megjelenését. Átmegy a hirdetésével díszített törvényi mértékegységhez, amely az őt levadászni hivatott. Nemcsak lazán átsétál az irodáikban, megvizsgálja a bizonyítékaikat, hanem bejelenti jelenlétét, és megkérdezi egy befelé haladó baseballmérkőzés eredményét. Senki sem ismeri fel, és nem gondol rá másodszor. Az egész negyedik dimenzió a jelenet alatt valószínűleg azt gondolja a néző: viccelsz velem. Labdák.

Michael Mann-é Közellenség egy jó színészi gengszter mozi, amely a túlzott hosszúságtól szenved, ráadásul a VII felsorolt ​​csúcsok előtti mélypontok pillanataiban. Ha a zsír egy részét levágták volna a forgatókönyvből, a celluloid működési ideje rövidebb lett volna, és a lendülete megmaradt volna. Nem ez volt az eset, ahogy a celluloid is szenvedett miatta, de ott vannak azok a pillanatok, kérem hívjon vissza, Közellenség érdemes megnézni.

Értékelés:   7.5 /10

Az 1972-es Wes Craven horror klasszikus remake-je, Az utolsó ház bal oldalon , nem egyformán reálisan szadista, mint az eredeti, de követi (a közeljövőben) elődei történetét. Az alapok megvannak, de újszerű jótékony elemeket is bemutattak.

Mari Collingwood (Sara Paxton) úszóként újra feltalált létezését el tudná fogadni, hogy beledobják a celluloidba, hogy pszeudo-mélységet adjon grafémájának, de a film belsejében tényleg elég hatékonyan használják. Körön kívüli tevékenységét elsősorban saját örömére és kielégülésére használja. Ez egy pillanatnyi kirándulás is számára a bátyja halála miatt érzett bánatból. Később befelé Az utolsó ház bal oldalon (2009) , egyformán használják elsődleges cselekménypontként is a celluloid egyik legjobb filmes sorozata. A néző valóban meglepődhet, hogy milyen jól sikerült a jelenet vetítési ideje. A néző annak is örülhet, hogy Mary édesapja, John Collingwood (Tony Goldwyn) nem csak referens orvos, ez valami rejtett dolog, amit a rövid bemutatkozás után soha nem használtak fel.

Krug bandájának komikus vonatkozásait eltávolították, az elmúlt idők megtestesülésébe helyezték át, és a keserűség kiszorította a túl jómódú felsőbb rétegek felé, akikről néhányan azt hiszik, hogy mindent elfogadnak, amit mindig is akartak, és talán egyetértenek valami nagyon fontos dolog felett: az álmaikat. Ahogy Yeats mondta: „Terjeszd ki az álmaimat a lábad alá; Lépj lágyan, mert sokat tapossz az álmaimon." Ez a mikrokozmosz egységes társadalmi hátteret ad a Krug banda középiskolai végzettségű tagjainak, s az aljas cselekedetek mellett motivációt is ad néhány gyalázatosnak, saját örömükre és elégedettségükre is.

Krug (Garret Dillahunt) hallgatag fia, Justin (Spencer Treat Clark), aki már nem kábítószer-függőséggel született, a banda leendő lelkiismerete, az egyetlen tag, akinek életképes i még sértetlen. Hogy ez miként lehetséges, azt soha nem magyarázzák meg, hiszen Krug bebörtönzése során 2 degenerált, Krug vér szerinti testvére, Francis (Aaron Paul) figyelmét felkeltette leendő lánya, Sadie (Riki Lindhorne) mellett.

A Krug 2.0 ezúttal több mint reális, a modern társadalmak által tenyésztett bűnözők egyik kölcsönös típusa. Megszokta, hogy elérje a maga akaratát (kacsintás az lxxx-ekre: „A kapzsiság jó”), egy faunát könnyen felfedezhettek az HBO-n keresztül. OZ . Bár torz érzelmek uralják, soha nem lépi túl a túllépést, így hihetőbb és megfélemlítőbb. Lehet, hogy a CVS-nél a befelé irányuló munkája mellett állhat, Önnel együtt, aki soha nem tudja, mi volt, és akkor közel áll önhöz. Ez az ereje a celluloidban lévő grafémájának. Megpróbál értékeket ültetni a fiába, de a mantrák bűnöző jellegűek. Krug elég okos ahhoz, hogy önállóan működjön, és vezető legyen, de nincs elég karizma ezen a helyen ahhoz, hogy saját, önálló celluloidját meghirdesse.

Miután Sarah-t és barátját, Paige-et (Martha MacIsaac) szörnyen brutalizálják, és a Krug-banda a szülei nyári lakóházában találja magát, már csak idővel korábban figyelik meg, mit csinált a Krug banda egyetlen megmaradt gyerekével. . Amint gyakorolnak, egy figyelmeztetés lángra lobban a hasukban, és csak a „bosszú, édesség, tartós bosszú” elégíti ki. Bár a banda első lejárati jelenete kegyetlen, az egyensúlygyakorlat nem ért egyet az 1972-es eredetik vadsága mellett a kreativitás gyertyájával is. A benne rejlő iszonyat, hogy a celluloid túlságosan is létezett, így kivételes, kiemelkedett a falkából, túlságosan feljavította a történelmi korszakát (kivéve a döcögős rendészeti elem mellett súlyosan elavult zenéjét). Az utolsó ház bal oldalon (2009) tól sok tekintetben erősebb az első verzió (már felsorolva), de belül gyengébbek mások (pl. nem történnek meglepő események). A tény a föld alatt tartása, hogy Mari túléli kezdeti befutását a Krug banda hatalmasságával, az egyik közülük.

Dennis Iladis Az utolsó ház bal oldalon (2009) egy remake, amely egyformán gazdagította volna a horror műfajt A texasi láncfűrészes mészárlás is A domboknak szemeik vannak remake-ek voltak. Sajnos a happy end mellett egy oda nem illő és nevetséges haláljelenet is történt mikrohullámú sütővel. A valamikor színtiszta Hollywood volt, ráadásul az utóbbi egy rajzfilm ízét hagyta a szájhasadékban.

Értékelés: 7.v /10

Az Irak belső háborújának megközelítésével, mint az utóbbi fele Bátrak otthona , Esély megragadása hangsúlyozza a hadiállapot lakosságra gyakorolt ​​hatását a lakóház homlokzatán belül. Esély megragadása az a katona szintje, aki úgy döntött, hogy háborúba száll, amellett, hogy valaki úgy döntött, hogy lakóhelye marad amellett, hogy más minőségben szolgáljon. Mikor Esély megragadása Kezdődik, Phelps első osztályú közlegény is meghalt. Michael Strobh alezredes (Kevin Bacon) észreveszi a hirdetését, és a hol lakik egy listán a nemrégiben lecsökkent darabról kora reggel. Amikor Strobh alezredes kéri, hogy fogadja el a PFC Chance lakóházat eltemetésre, elhagyva a fülkéje normális állapotát, Strobh odüsszeája a valódi bensőségességgel együtt Esély megragadása elkezdődik.

Miközben az effektusok mellett Chance csomagtartóját is szállítja, Strobh sokféle embercsoporttal találkozik, olyan egyénekkel, akik az egyenruhájára és a befelé irányuló megbízatására különböző váratlan módokon reagálnak. Van, aki éppúgy mutatja az egyenruháját, ahogy most is tiszteli, van, aki akkor becsüli meg, amikor tudomást szerez az utazás okáról, vagy a legalacsonyabb fokon másképp néz rá. A háborús állapot és a fegyveres konfliktus legtragikusabb kérdése, a lejárat, túlságosan is létezővé válik egyesek számára. Azt a tényt, hogy bensőleg háborús állapot folyik, bár a múltkori konfliktusokról nem számolnak be annyit, a naiv körök mellett ismeretlenbe is belecsapnak, visszhangos valóságcsekket adva. Az általuk élvezett, túlságosan egyszerű biztonságos életnek ára van amellett, hogy amikor Chance becsomagolt testére számolnak, ráébrednek, hogy mások fizetnek érte.

A rengeteg utasítás közül, amelyet Strobh önkéntes megbízatásának megkezdésekor kapott, a legfontosabb az, hogy Strobh túlságosan tisztelje Chance összecsomagolt törzsét, amikor visszahozzák a jelenlétébe, vagy elhagyják onnan, hogy mozdonyhoz elhelyezve éljenek. . Ez az áhítat és a segítség mellett mutatkozik meg, amikor a karokat késve homlokra emelik, a korábbi létezés lassan visszatért a láb oldalára.

Esély megragadása nem csak a szállított, hanem a szállító története is jó. Mivel a Chance-szel és a halandó- és katonatípussal történtek alacsony katonáktól, barátoktól és családtagoktól származnak, a néző is megtudja, hogy a közeli Strobh. Továbbá a megjelenített grafikus szimbóluma alapján a nosotrosok rájönnek, hogy Strobh nem éppen alkalmas vagy teljesen kényelmes a jelenlegi szolgálati beosztása mellett. A harmadlagos emberi tevékenység során Esély megragadása , a néző megtudja, hogy Strobh miért nincs befelé Irakba, a döntése miatti bűntudattal együtt. Strobh egy ellenőrző, tehetséges katona, és az emberi tevékenység pillanatában nyilvánvaló, hogy elszántsága marja őt.

Ross Katz-é Esély megragadása a hadiállapot celluloidja gyakorlatilag a háborút vívó embereket jelenti, nem a háborús állapot közelében. Ne élj elájultan, ez nem celluloid, szinte poszttraumás stressz-rendellenesség. Esély megragadása egy katona önmegvalósítási útjának az emelete, később néhány másik katona utazása véget ért.